21 de mayo de 2018

Retórica, corporalidad y teoría de los tópicos



2018. Mayo 21-25
Retórica, corporalidad y teoría de los tópicos en la música de los siglos XVII y XVIII: 
análisis, interpretación, exégesis y performance. 


Conferencia invitada y Seminario para el 
V Simpósio de Música Ibero-Americana. Universidade Estadual do Amazonas. Manaus, Brasil.


Los tratados de retórica musical de los siglos XVII y XVIII ofrecen abundante terminología para "etiquetar" y conceptualizar diversos procesos musicales directamente relacionados con la expresividad y que son invisibles para la terminología teórica habitual.

El conocimiento de la retórica es usado también por los intérpretes de la música antigua para defender la autenticidad de sus performances. Sin embargo, cuando examinamos los escritos de músicos como Herrewegue, Immerseel, Palacios, Beghin o Haynes, observamos que su uso de la retórica no se limita a los tratados. En ocasiones su filología puede no ser muy exacta. Con frecuencia introducen terminología innovadora que contribuye eficazmente a modelar sus intenciones interpretativas pero que no tiene mucho fundamento histórico. Una contradicción en su habitual discurso normativista pero un obsequio para los que amamos sus interpretaciones. 

Revisando los contextos actuales en los que se apela a la retórica musical, podemos afirmar que ésta ya no se limita a una terminología basada en tratados históricos; sino a toda una suerte de lógicas musicales muy útiles para aproximarse a la música como un fenómeno dinámico-expresivo

Puede usarse como base de un análisis para la interpretación o análisis expresivo de la música, donde las categorías analíticas no provengan exclusivamente de la teoría habitual (de Riemann a Schenker), sino que se informen de la vivencia expresiva de la música tanto de intérpretes somo de oyentes y sus particulares estrategias para construir sentido emotivo y corporal con la música

Para  ello es necesario introducir herramientas teóricas actualizadas, distinguir entre la exégesis  de los teóricos de la narratividad musical (Almén, Maus, Tarasti o Newcomb) de la que hacen intérpretes y oyentes y discutir a fondo sus contradicciones. Su futuro promete menos "autenticidad histórica" y más imaginación artística.

Referencias

Almén, Byron. 2008. A Theory of Musical Narrative. Bloomington: Indiana University Press.

Beghin, Tom. 2014. «Recognizing Musical Topics Versus Executing Rhetorical Figures». En The Oxford Handbook of Topic Theory, editado por Danuta Mirka, 551-76. Oxford ; New York: Oxford University Press.

Cook, Nicholas. 2013. Beyond the Score: Music as Performance. Edición Kindle. Nueva York: Oxford University Press.

Fadini, Emilia. 1987. “The Rhetorical Aspect of Frescobaldi's Musical Language,”. Frescobaldi Studies (Duke U. Press).

Haynes, Bruce. 2007. The End of Early Music: a period performer’s history of music for the twenty-first century. Oxford ; New York: Oxford University Press.

Haynes, Bruce, y Geoffrey Burgess. 2016. The Pathetick Musician: Moving an Audience in the Age of Eloquence. Oxford ; New York: Oxford University Press.

Immerseel, J. Van. 1995. "Música y retórica en los conciertos para piano y orquesta de Mozart". Pauta 55/56. 137-161.

Jacobson, Lena. 1980. «Musical Figures in BWV 131». Organ Year Book 11: 60–83.
———. 1982. «Musical Rhetoric in Buxtehude’s Free Organ Works’». The Organ Yearbook 13: 60–79.

López-Cano, Rubén. 2002. «Entre el giro lingüístico y el guiño hermenéutico: tópicos y competencia en la semiótica musical actual». Revista Cuicuilco 9 (25).
———. 2012. Música y retórica en el Barroco. Barcelona: Anagrama.———. 2018. Música dispersa. Apropiación, influencias, robos y remix en la era de la escucha digital. Barcelona: Musikeon.

Maus, Fred Everett. 1988. «Music as drama». Music Theory Spectrum, 56–73.

Newcomb, Anthony. 1997. «Action and Agency in Mahler’s Ninth Symphony, Second Movement». En Music and Meaning, editado por Jenefer Robinson, 131-53. Ithaca, N.Y.: Cornell University Press.

Palacios Quiroz, Rafael. 2012. «La pronuntiatio musicale une interprétation rhétorique au service de Händel, Montéclair, C. P. E. Bach et Telemann». Tesis doctoral, París: Université Paris-Sorbonne.

Pickett, Philip. 1994.  “J.S. Bach: The Brandenburg Concertos A New Interpretation”. Cd. Cd J.S. Bach Brandenburg Concertos. L'Oiseau-Lyre. 

Tarasti, Eero. 1994. A theory of musical semiotics. Bloomington, Ind. : Indiana University Press.


Materiales conferencia
Materiales seminario
Materiales retórica musical

16 de mayo de 2018

Adiós a Genette




Gérard Genette (París, 7 de junio de 1930 – 11 de mayo de 2018​) se largó de este mundo con una discreción profundamente injusta. Sus teorías narratológicas, pero sobre todo su trabajo sobre la architextualidad, llenaron de conceptos eficaces, productivos y muy útiles las cabezas de miles de estudiantes de todas las ramas del conocimiento que tienen algo que ver con fenómenos narrativos (exceptuando el mundo de las Narrativas Transmedia que llaman paratexto a cualquier cosa).

Como toda teoría de las humanidades recientes, sus construcciones se vieron reducidas a un elenco de tipologías populares que resistieron y resisten aún una amplia gama de retruécanos y cambios de sentido circunstanciales e idiosincráticos.

Sin embargo, su obra que más me inquietó fueron sus dos volúmenes L'Œuvre de l'art. (Immanence et transcendance, 1994 y La relation esthétique, 1997). Los leí como literatura de recreo, para distraer la cabeza mientras terminaba mi tesis doctoral. Era la primera vez que me enfrentaba a la ontología de las obras de arte fuera de la música y la verdad me perturbó demasiado. Además, siempre es fascinante descubrir la envergadura intelectual de algún semiótico cuando escribe fuera de ese marco de referencia. Con el tiempo usé algunos de sus fragmentos y conceptos para mis clases de estética de la música y para algunos artículos en los que comenzaba a arañar el problema de la intertextualidad en música (en los que, por supuesto, traicioné sus definiciones una, otra y otra vez). Pero siempre me cautivó el tipo de edificio que intentaba construir, tan firme y frágil a la vez.

Para el segundo capítulo de Música dispersa no dudé en traerlo a mi mesa de trabajo y dedicarle por fin el análisis que había postergado durante tantos años. Por fin pude comprender mis disonancias cognitivas para con su trabajo. Entendí que su esfuerzo por combinar el nominalismo de Goodman con el idealismo centroeuropeo le propinaban más de un coscorrón epistémico a sus alegatos poniéndolos en riesgo constante de caer en el eclecticismo metodológico: !por eso gusta tanto en Latinoamérica!. Pero también, he de admitir, abren oxigenantes rutas de reflexión.

Su estudio me tomó mucho más tiempo y páginas de las esperadas y en un momento tuve la tentación de extirparlo del libro. Al final decidí dedicarle un espacio muy amplio en la sección 2.2. "Una obra y muchos seres". Fue muy difícil tomar la decisión y agradezco a los editores que me dieran absoluta libertad. Tuve varias razones para acogerlo. La primera es que se trataba del prácticamente único autor no anglofono que incluía en la sección y que me permitía reflexionar a fondo sobre el tema. La segunda es que si bien su recepción fue demasiado discreta sobre todo en el mundo angloparlante, en Iberoamérica se le tomó muy en serio. La tercera es que era algo que le debía a Genette. El mejor homenaje que se le puede hacer a un autor que amas es regalarle tu lectura a profundidad con irrevocable espíritu crítico.

Miles de fichas de lectura, tarjetas y esquemas después, estoy muy contento de haberle dedicado tanto tiempo. Ese paso era necesario para mí, para saldar mi deuda intelectual con él, para recordar por siempre sus inmensas enseñanzas y, por supuesto, para olvidar por fin y hasta nunca el horrible tema de la ontología del arte.

22 de abril de 2018

Música dispersa



Música dispersa
Apropiación, influencias, robos y remix en la era de la escucha digital

Rubén López Cano
Editorial: Musikeon Books (Barcelona)
Año de publicación. 2018
ISBN:  978-84-945117-1-4

Palabras clave:
Identidad y modos de existencia de las piezas musicales. Apropiación. Reciclaje musical. Intertextualidad. Préstamos e influencia. Reutilización. Plagio. Música grabada. Autenticidad y discursos de legitimación. Covers y versiones. Remix. Sampleo. Mashup. Memes musicales. Escucha digital. Pacto perceptual.

De venta en Librería El Argonauta  

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Citas, alusiones, paráfrasis, apropiaciones, collages, arreglos, adaptaciones, covers, versiones, sampleos, remixes y memes; son formas de revisitar músicas preexistentes, apropiarse de algunos de sus elementos y reutilizarlos legítimamente o no, para producir más música. De Hildegard von Bingen a Dj Danger Mouse, todas las culturas musicales de todas las épocas han empleado estos recursos. Pero mientras sus procedimientos son unos cuantos y no han cambiado mucho a lo largo de la historia, su valoración y relación con ideales estéticos, principios legales y discursos de autenticidad y legitimidad artística, se han transformado radicalmente. Si para los compositores de las cortes de Aviñón o Milán del siglo XIV y XV citar ingeniosamente una y otra vez las canciones de los grandes maestros del pasado era un valor estético en sí mismo que les reportaba reconocimiento y prestigio, con las leyes de propiedad intelectual actuales, Beethoven, Schubert o Brahms no serían más que delincuentes comunes.

La escucha digital no se limita a la portabilidad, ubicuidad y recuperación inmediata de nuestros contenidos privados. Es también el acceso súbito, nunca antes visto, a una inconmensurable cantidad de músicas de tiempos y espacios distantes y dispersos. Es la posibilidad de la escucha en serie, casi simultánea, de varias interpretaciones, arreglos, versiones y variantes de la misma pieza y la percepción directa de parecidos y coincidencias entre músicas distintas cuya detección solía ser prerrogativa exclusiva de especialistas. Navegar por la red en busca de la canción, versión o interpretación adecuada, nos revela hasta qué punto las nociones de innovación y originalidad, la creación exnovo, el genio solitario que crea un universo personal sin deudas con su pasado o su entorno inmediato, constituye un ideal que a menudo colisiona con las prácticas reales.

Música dispersa muestra que la creación musical es menos una epifanía y más una conversación infinita entre creadores de todos los tiempos quienes con sus intercambios, apropiaciones y repeticiones, vertebran su propia civilización musical dotando de significado nuestras experiencias auditivas. Nos lleva de la mano por los entresijos de diversos procesos y registros de reciclaje; analiza críticamente los discursos de autenticidad que han mediado en nuestra relación con lo musical desde el papiro hasta el iPad o el móvil; detalla los diversos pactos perceptuales implícitos con los que "disculpamos" nuestros placeres con la música grabada; pasa lista a los vanos intentos por reducir la música a objetos cerrados, concluidos y completos y manejables; y propone que el desafío mayor de la reciente remezcla y reciclaje digital no es su aparente saqueo indiscriminado del descomunal archivo musical atesorado en dos mil años y que ahora parece que se nos viene encima, sino su diáfana capacidad para mostrarnos que la música es un fluir indómito cuyo poder y originalidad está mucho menos afincado en su materia física, sus estructuras o componentes, o incluso en la genialidad inconmensurable de creadores, compositores, productores y postproductores. Su valor emana fundamentalmente de nuestra íntima historia personal con cada pieza, obra o canción.

Contenido

1. Introito: de la epifanía al trabajo colaborativo
2.       Ser, parecer, aparecer, acceder y conocer la música
2.1.    ¿Dónde están las sinfonías cuando no suenan?
2.2.    Una obra y muchos seres
2.3.    El rock y sus dilemas existenciales
2.4.    El jazz: ¿obras o eventos?
2.5.    Límites de la ontología musical

3.       Fragmentación y dispersión de la unidad musical: Apropiaciones, influencias, préstamos, intertextualidad y reciclaje.
3.1.    ¿De quién es la canción? Apropiaciones
3.2.    Lo intertextual: una "obra" es un momento de la red
3.3.    Reciclaje: del préstamo a la influencia
3.4.    Intertextualidad en la música popular urbana
3.5.    Intertextualidad en la música de arte occidental
3.6.    Rangos de procesos y funciones intertextuales
3.7.    Citas
3.8.    Reutilización
3.9.    Citas expandidas
3.10.Capital musical, idiolectos, campos semióticos
3.11.Intertexto vocal como diccionario
3.12.Intertexto vocal y paseos inferenciales
3.13.Crossover y referencias enmudecidas
3.14.Modelización y alusión
3.15.Inserción por ensamblaje. Quodlibet, Popurrí, Pasticcio, Patchwork, Collage
3.16.Intervención en una pieza preexistente: revisiones, versiones, contrafacta, paráfrasis e intervenciones conceptuales
3.17.Intertextualidad críptica y narrativas transmedia
3.18.Angustia de influencia
3.19.Civilización musical reciclada

4.       Música de sonidos fijados: el impacto de la grabación
4.1.    Música y tecnología de difusión, almacenamiento y consumo: las etapas
4.2.    El impacto de la grabación en la música de arte occidental
4.3.    Paradigmas fonográficos en la música clásica: fotografía sonora, la mejor butaca posible y práctica artística por sí misma
4.4.    De la reproducción a la interpretación extendida
4.5.     Ideologemas de autenticidad
4.6.    Autenticidad fonográficamente inventada
4.7.    Autenticidad y paradojas de la grabación en la música popular urbana

5.       Covers y versiones en la música popular
5.1.    Una definición operativa de la versión
5.2.    Funciones de la versión
5.3.    El problema del “original”
5.4.    Dimensiones de lo "original"
5.5.    Tipos fundamentales de versiones
5.6.    La versión frente a su referencia
5.7.    Reconocimiento de la canción de base
5.8.    Modo metatextual de la versión
5.9.    Versiones y variantes

6.       Reciclaje digital
6.1.    De los ritos fonográficos al turntablism
6.2.    La era remix
6.3.    Reproducción, copia, replicación y replayducción
6.4.    Simulacros, hiperrealidad, inmersión e hipermediación
6.5.    Deconstrumix: reciclaje deconstructor
6.6.    Punctum, cortocircuitos y brecha de paralaje
6.7.    Regresividad, reflexividad, discursividad y regeneratividad de la remezcla
6.8.    Revolución tecnológica y afirmación de prejuicios


7.       Conclusiones: la música entre nosotros

8.       Glosario

9. Bibliografía 

Índice de nombres y materias


Lista de reproducción (escucha mientras lees)


Agenda (presentaciones, seminarios, actividades sobre el libro y más)

Tráilers  

20 de abril de 2018

Musica dispersa. Agenda

Música dispersa
Apropiación, influencias, robos y remix en la era de la escucha digital

Rubén López Cano
Musikeon Books



Agenda


2018


2018. Octubre 19

Presentación en la librería El Argonauta de Madrid 


2018. Octubre 4-5
PresentaciónVII Encuentro de Investigación musical. Universidad Autónoma de Bucaramanga, Colombia.

2018. Octubre 2-3
Presentación. Facultad de artes. Universidad Javeriana de Bogotá, Colombia.

2018. Octubre 1
Presentación. XXII Jornadas de la Investigación y extensión, UPTC. Tunja, Colombia. 1-5 de octubre de 2018.

2018. Septiembre 24-26
Presentación. II Seminario Internacional de Investigación en Prácticas Artísticas. Escuela Superior Tecnológica de Artes Débora Arango. Envigado, Colombia. 

2018. Septiembre 7

Presentación. Escuela de artes BUAP, Puebla, México.

2018. Septiembre 5-6

Presentación. Facultad de Música de la Universidad Veracruzana, México.

2018. Junio 11-15
Presentación. XIII Congreso de la IASPM-AL. San Juan de Puerto Rico.

2018. Mayo 22, 16:00 hrs
Presentación en el V Simpósio de Música Ibero-AmericanaUniversidade Estadual do Amazonas. Manaus, Brasil.

2018. Mayo 18, 19:00 hrs

Presentación en Musikeon, Valencia.  

2018. Abril 27, 11:00 hrs

Reciclaje musical, mashups, memes y cultura digital participativa. 
Universidad Autónoma de Barcelona 
Aula 605 de la Facultad de Filosofía y Letras 


2018. Abril 23, 18:00 hrs
El concepto del espacio. Conferencia en el ciclo Hacia nuevos horizontes de escucha. Universidad Carlos III, Madrid. E·xposición y venta del libro durante la conferencia.

15 de abril de 2018

Crítica de la audición nula

Crítica de la audición nula

Comentarios sordos y breves sobre la gestión de la música y sonido en el audiovisual contemporáneo.
#críticadelaudicionnula


9 de mayo de 2018

Seamos justos: la dirección de cámaras de Tabula Rasa hace su trabajo… y los de música y sonido, hacen el suyo… pero también hacen el de los guionistas y el de los actores… ufff… Intentan llenar el vacío argumental y dramatúrgico con falsos vectores de tensión sonora, tan soporíferos como inútiles. De interés sólo para quien disfrute del neerlandés flamenco, sin la jjjjjjts que te raspan el cerebro del de los Países Bajos (por cierto, llama la atención la gran cantidad de palabras en inglés que usan para expresar sentimientos… será la falta de sol…) #críticadelaudicionnula




5 de mayo de 2018
#críticadelaudicionnula

El diseño sonoro del piloto de Westworld es sorprendente. La banda sonora, aunque demasiado convencional, prometía mucho con esos guiños y versiones a temas clásicos (de los Rolling Stones y otros). Pero al tercer capítulo ya estás echando de menos la "Isla de la Fantasía" (el avióoooon el avióoooon)  y otros parques temáticos televisados del pasado menos pretenciosos y más divertidos. 


La ecualización de voces es otro giño intertextual a las pelis de vaqueros de los sesenta y setenta, pero no hace sino enfatizar la pobre dirección actoral. 


2 de mayo de 2018
La actuación vocal de Penélope Cruz en esta serie es verdaderamente notable... #críticadelaudicionnula



21 de enero de 2018
The Knick es una suerte de Dr. House pero de la "Belle époque". Cuando la veo no sé qué me da más miedo: si las extraordinarias prótesis del interior del cuerpo humano (qué grima!!), que operan sin guantes o las escenas eróticas donde se luce ropa interior de principio del siglo XX (Dios!! Se te para el corazón antes que otra cosa!!).
El concepto visual de Steven Soderbergh es extraordinario y algunos recursos narrativo-audiovisuales en la construcción de subjetividad de los personajes y posicionamiento del espectador, son simplemente increíbles.
En este aspecto destaca la música original de Cliff Martinez. No es música de época ni de género (series médicas). Es música electrónica simple, repetitiva, machacona y por momentos sumamente cutre. A veces recuerda a Jean-Michel Jarré (oouch!!). Pero esta disonancia audiovisual entre música, época y drama, es sumamente eficaz. Evita que la nostalgia invada al espectador y logra colocarlo dentro del horizonte de acción/ambición de los protagonistas: el futuro.
Gracias a la música, vivimos su sentido de "modernidad". No es una historia de épica nostálgica a la Scorsesse: es la carrera sin descanso, a golpe de cocaína, por la conquista de los descubrimientos científicos (antes del peer to peer), la tecnología y el trapicheo de las farmacéuticas.
Su eficacia es mucho mayor que otras series que intentan recursos parecidos (como la desafortunada Versalles).
Pese a ello, el diseño sonoro, como ocurre con tantas otras series, es muy descuidado en algunos detalles. Los cambios de escena presentan a veces golpes de aire que estropean la ecualización, tapan la voz de los actores y desnivelan todo el paisaje acústico (hay que darle una repasada a toda la banda de audio de cada capítulo, amiguitos!!!).
Como muchas series de época, le comen las ansias por contarlo todo, así que muchos personajes son multifuncionales hasta la ignominia (hacen demasiadas cosas). Sólo hay dos temporadas. La pararon a tiempo de que degenerara en culebrón al uso. Más en #críticadelaudicionnula



10 de enero de 2018
Metalhead (Black Mirror 4x05) musicaliza sus escenas más angustiosas con el "Threnody to the Victims of Hiroshima" (1960) de Krzysztof Penderecki.


Pero uno no escucha Penderecki.... sino Ligeti... o más concretamente, el modo en el que Kubrick usa a Ligeti en " The Shining" (1980): dramatúrgicamente, la peli es el precursor sonoro de este capítulo. Por momentos parece una BSO original que parodia a Ligeti.
La música se articula muy bien con la imagen en blanco y negro y muy texturizada (que pretende proteger la verosimilitud del bicho cuadrúpedo).
El traslado de "música absoluta" a "música cinematográfica" expone cruelmente a Penderecki al tiempo que muestra hasta qué punto el sonido Ligeti tiene vida propia en la cultura de masas y es capaz de construir por sí mismo "tópicos músico-cinematográficos" independientes de sus funciones en la música de arte occidental.
#críticadelaudicionnula


16 de agosto de 2017
In treatment es un gran reto narrativo, dramático y sonoro. Apenas hay música pero el audio es riquísimo en ruidos ambientales provenientes de propio consultorio, de otras habitaciones de la casa y de la calle. Muy trabajado el diseño sonoro. 

Pero en la tercera temporada parece que al doctor Paul Weston se le colaron fantasmas que abren y cierran puestas o ventanas en cualquier momento: hay continuos cambios inexplicables de ecualización y volumen en el sonido de fondo. Descuidos de producción.

La serie es buenísima y es una argumentación muy eficaz de por qué hay que abandonar el psicoanálisis e intentar mejor con otro tipo de terapias. #críticadelaudicionnula



10 de agosto de 2017
De Paolo Sorrentino se ha señalado su preciosismo audiovisual muy bello en ocasiones y sobresaturado en otras; sus referentes constantes al mejor cine italiano y estadounidense… y su debilidad por las fórmulas.
Las primeras secuencias de montaje musicales de "The Young Pope", la primera serie del cineasta, son sorprendentes y maravillosas… pero repite tanto la fórmula que acaban por ser estériles, sin decir o hacer algo con los personajes y la historia.
Pero parte de responsabilidad es también de las líneas argumentales, tan caprichosas y volubles (aunque menos insoportables) como el Papa protagonista (de apariencia Armani y pensamiento de Ayatola). ¿De qué trata esta serie?
Si bien el montaje de las diferentes tramas es desconcertante, la serie entera vale tan sólo por algunos sus planos increíbles.
Si el cardenal Voiello, sin duda el mejor personaje de la serie y uno de los villanos más entrañables de la historia, no fuera solamente un irreductible "tiffoso" del Napoli, si fuera seguidor de la Premiata Fornería Marconi, Vasco Rossi o Rita Pavone, la serie hubiera ganado mucho a nivel sonoro. La música y el sonido interno (diegético) son estupendos.
Pio XIII debe desaparecer por el bien del audiovisual euorpeo... #críticadelaudicionnula


7 de agosto de 2017
Es como si los productores musicales de la tercera temporada de Leftovers se hubieran hallado en un dilema: con el presupuesto que tenemos nos alcanza o bien para comprar los derechos de un par de buenos temas (o sus versiones) o bien para adquirir muchos temas viejos con algunos derechos vencidos o baratos.

Eligieron lo segundo con resultado desigual:

Los procesos de distanciamiento irónico producto del uso de músicas prexistentes anempáticas se homogeneizaron mucho.

La zozobra que provocaba la escucha de alguna versión extraña de temas famosos en la segunda temporada, se articulaba muy bien con algunos principios argumentales de la historia (¿qué pasa cuando los fundamentos básicos de nuestra existencia se trastocan?).

En la tercera temporada, es como si esas canciones viejas entraran anecdóticamente en el espacio de la historia narrada (aportan información sobre lo que se cuenta); pero pierden poder de gestión en las relaciones del espectador con las estrategias narrativas y el dispositivo audiovisual.

Con todo, es una seria extraordinaria....#críticadelaudicionnula



24 de julio de 2017
Entre muchas de las virtudes de The Handmaid's Tale está el no haber esperado a que terminara la primera temporada para aumentar el presupuesto y la calidad de la producción musical (como se suele hacer).
El capítulo piloto fue suficiente para medir el potencial y límites de la BSO de Adam Taylor (música a lo Giacinto Scelsi pero hipster). Así que a partir del segundo capítulo compraron derechos de música preexistente (originales y versiones) que gestionan con gran destreza narrativa: otro de sus aspectos deslumbrantes, la estupenda narración audiovisual.
Distopía terrorífica para la era Trump.... #críticadelaudicionnula


21 de julio de 2017
El spot publicitario más largo y caro de la historia!! Las interminables secuencias de montaje (de irreductible estética publicitaria) en ocasiones logran su cometido: construir empatía entre los personajes y con nosotros. Pero son inútiles a nivel narrativo. Tienen que usar personajes cuyo única función es contarnos verbalmente lo que está pasando. #críticadelaudicionnula