Investigación
artística en música
problemas, métodos, paradigmas, experiencias y modelos.
Un libro de
Rubén López
Cano
y
Úrsula San Cristóbal
Libro online de descarga gratuita financiado por el Fondo para la Cultura y las Artes de México
y la Escola Superior de Música de
Catalunya, Esmuc (Barcelona). Disponible a partir de diciembre de 2014.
Basado en proyectos reales y experiencias institucionales y artísticas específicas, intentará responder a inquietudes como:
¿Cuál es la diferencia entre un proyecto de investigación musicológica
y uno de investigación artística? ¿Cuáles son las principales tendencias en la investigación
artística en música en la actualidad? ¿Cómo formalizar un proyecto de investigación
artística? ¿Qué metodologías se pueden emplear? ¿Cómo pasar de la práctica musical habitual a la investigación artística en música? ¿Cómo se escribe en un proyecto
de esta naturaleza? ¿Cómo se evalúa? ¿Cómo se defiende?
Índice
1. El dilema de la investigación artística: sus problemas
2. Investigación, investigación musical e investigación artística en música
3. Recursos y estrategias metodológicas
3.1. Formalización del proyecto
3.2. Preguntas de investigación
3.3. Investigación documental
3.4. Métodos cuantitativos
3.5. Métodos cualitativos
3.6. Autoetnografía y fenomenología
3.7. Experimentación artística
4. Productos de investigación: las obras, el escrito y la
defensa
4.1. Estrategias de escritura en la investigación artística
4.2. Argumentación digital
5. Evaluación: criterios, rangos y problemas en la evaluación
6. Tendencias y modelos para la investigación artística en música
6.1.
Nuevos modelos de concierto y difusión de la música
6.2. Práctica interpretativa
6.3.
Análisis para la interpretación
6.4.
La
investigación artística en la composición
7. Modelos de proyectos
8. Conclusiones
9. Anexos
_________________________
Extracto...
El dilema de la investigación artística
Hace
veinte años que se debate sobre la investigación artística en el entorno
europeo pero parece que no hay manera de responder a la pregunta ¿qué es la
investigación artística?: “nadie parece saber la respuesta a esta pregunta” (Steyerl,
2010). Pese a “prodigiosos esfuerzos gastados al servicio de su clarificación,
el término “investigación artística” sigue siendo vago” (Baers, 2011). Si bien
esta actividad se nos presenta como un “nuevo paradigma” (Haseman, 2006), aun
no se puede hablar de obras modélicas que sirvan de referencia, de investigadores
cuyo trabajo haya que seguir minuciosamente ni de metodologías normalizadas: no
existe aún un Einstein o unas Demoiselles d'Avignon, lo que en todo caso ha cambiado es el
incremento de presentaciones y performances en formato académico y muchas
publicaciones, simposios y congresos (Solleveld, 2012, p. 79). Es en una
especie de “socavón ideológico” cuya definición se transforma una y otra vez
dependiendo de intereses puntuales (Baers, 2011). La investigación artística
parece estar condenada a ser “una de esas múltiples prácticas que se definen
por su indefinición” y que yacen en un “estado de fluctuación permanente,
carentes de coherencia e identidad” (Steyerl, 2010).
Otra
irritante realidad de la investigación artística, es que pese a la gran
cantidad de bibliografía que se ha generado sobre ella, la mayoría de
publicaciones no parece interesarse en proponer estrategias claras y prácticas
para su desarrollo. Como se han señalado Wilson & Ruiten (2013, p. 8), un
tipo de publicaciones se concentran en temas de orden epistemológico-abstracto
y se ocupan de responder a preguntas como ¿Qué significa el conocimiento en el
arte? Otro tipo se ocupa de cuestiones ontológicas y se pregunta ¿Qué es
el conocimiento? ¿Qué es el Arte?. Estos trabajos se caracterizan por un
discurso sumamente abstracto y complejo, anclado en consideraciones generales
de naturaleza filosófica bastante inaccesibles (Borgdorff, 2012; Hannula,
Suoranta, & Vadén, 2005; Le Coguiec & Gosselin, 2006; Nelson, 2009;
Smith & Dean, 2009). Por otro lado, cuando los trabajos abordan casos específicos
de investigaciones, se suelen limitar a una enumeración llena de casos
específicos sin reflexionar o extraer principios generalizables que puedan
aplicarse a otras investigaciones (ArtesnetEurope, 2010; Polifonia Research
Working Group, 2010; Wilson & Ruiten, 2013). Otro tipo de textos, abordan
las disposiciones legales que impulsan el establecimiento de la investigación
artística en contexto determinado (Zaldívar, 2005, 2006, 2008) o lanzan
prospecciones sobre cómo debería ser su implementación (Muntané, Hernández,
& López, 2006).
Dado
este panorama y porque creemos que es posible aportar reflexiones prácticas que
colaboren al desarrollo de la investigación artística en música en nuestro
entorno, hemos decidido elaborar un libro que, basado en proyectos de Europa e
Iberoamérica, señale algunas las tendencias actuales, exponga de manera
organizada estrategias metodológicas aplicables a proyectos específicos y aporte
modelos posibles con sus diversos grados de formalización. No pretendemos
resolver el dilema de la investigación artística sino ofrecer un modo posible
de trabajar en ella (López-Cano & San Cristóbal, 2014).
Qué es la investigación artística en música
En un
conservatorio se “investiga”
todo el tiempo: los profesores investigan cuando preparan clase, los
estudiantes investigan cuando eligen y estudian determinados repertorios o
realizan trabajos escolares, los directivos investigan antecedentes internos o
externos al centro para tomar decisiones, los administrativos investigan, etc. Pero de lo que
hablamos aquí no es de la noción general de “investigación”, sino de un
concepto técnico de investigación entendida como una actividad académica específica, formalizada,
con objetivos propios y distintos a
los de la docencia, la creación o la gestión.
La Asociación Europea de Conservatorios
(AEC) entiende por investigación una “amplia variedad de actividades” de
cualquier ámbito de conocimiento, que se dirigen a un estudio o indagación meticulosa, sistemática y con conciencia
crítica, que pretenden aportar un
trabajo original e innovador y que no se limitan al tradicional método
científico
(Joint Qualitity Initiative, 2004, p. 3). Esta amplia definición es sumamente operativa para incluir
las actividades artísticas. Subrayo los siguientes elementos de esta concepción
de la investigación: se trata de un estudio
a profundidad, sistemático en su
preparación, desarrollo, metodología, obtención y comunicación de resultados,
es elaborado conscientemente y desde
una perspectiva crítica.
Toda
pesquisa parte de una pregunta de investigación específica y clara. Para
responderla hay que desarrollar una serie de tareas de investigación que se
insertan en diferentes metodologías. Entre las metodologías más usadas en la
investigación musical general están la investigación documental (detección,
lectura y estudio de libros, revistas, diarios, cds, dvs, material multimedia,
etc.); los métodos cuantitativos como la observación, la entrevista, las
historias de vida, los grupos focales, la autoetnografía etc.; o métodos
cuantitativos como la estadística o la experimentación.
Si
bien resulta muy difícil dar una definición conclusiva de la investigación
artística, si tuviéramos que hacer una descripción sucinta de lo que distingue la
investigación artística en música de
la investigación en ciencias y humanidades,
podríamos decir que ésta se
caracteriza, entre otras cosas, por el
tipo de preguntas de investigación, el papel de la práctica artística dentro
del proceso y las competencias y habilidades especificas requeridas para
desarrollarla. Las preguntas
de investigación van dirigidas a problemas de la práctica
artística de compositores e intérpretes. Intentan responder a inquietudes
vinculadas estrechamente a la creación y que pueden ir desde consideraciones
sobre la técnica instrumental, hasta las intenciones creativas del compositor o
instrumentista, abarcando también aspectos como los modos de performance
musical, las relaciones con el público, consideraciones estéticas, etc.
Una
parte sustancial de las preguntas sólo pueden ser respondidas por medio de la
práctica artística en sí misma, por lo que también se le suele llamar investigación basada en el arte (art based research) (Knowles & Cole,
2008; McNiff, 2008; Rolling, 2013), investigación dirigida a la práctica (práctice-led research), o practica
dirigida a la investigación (research-led
practice) (Green, s. f.; Nelson, 2009; Smith & Dean, 2009). El
papel de la práctica artística dentro del desarrollo de la investigación es
múltiple. Por un lado, los hábitos y prácticas habituales de estudio y creación
en la interpretación o la composición son otra fuente de información como la
bibliografía, las entrevistas o las encuestas. Por ello hay que desarrollar
métodos de registro del trabajo artístico propio y fomentar la reflexión
continua sobre ellos. Por
otro lado, la práctica artística es también el espacio donde se prueban ideas y
conceptos producidos en el proceso de reflexión. Dentro de este espacio es
crucial la noción de experimentación (Schwab,
2013). Por último, para el músico
práctico, una manera fundamental de pensar el mundo es desde su instrumento o
su ejercicio compositivo. De este modo, "no sólo las preguntas de
investigación emergen de la práctica artística, sino que también se resuelven a
través de ésta, el bucle de retroalimentación práctica/reflexión juega un
importante rol en las diversas aproximaciones metodológicas" (Polifonia
Research Working Group, 2010, p. 55).
Por
otro lado, la investigación artística en música sólo puede ser desarrollada por
un artista práctico ejerciendo sus competencias específicas y en un entorno de
docencia y práctica artística como es un conservatorio. Si el proyecto o
preguntas pueden ser atendidos por un musicólogo o historiador del arte que no
ejerzan como compositores o intérpretes prácticos, es muy probable que no se
trate de investigación artística. Ahora bien, es muy importante tener en mente
que en los conservatorios europeos no se realiza exclusivamente investigación
artística y que no estamos obligados a limitarnos a ella. Existe una importante
investigación pedagógica, en teoría musical y (etno)musicología. Creemos sin
embargo que es importante distinguir entre diferentes áreas de investigación para
detectar sus necesidades e impulsar su desarrollo.
Localizando la
investigación artística en música
Hagamos
un breve mapeo conceptual por las zonas de la investigación musical para
localizar aquellas en las que orbitaría la investigación artística. Imaginemos
una estudiante de violín de un conservatorio de nuestro entorno. Como requisito
para terminar sus estudios de titulación o máster, se le exige que rinda un
concierto, que realice un trabajo escrito relacionado con el mismo concierto y
que haga una defensa oral del trabajo escrito. Estos son requerimientos
habituales. Entre las piezas que tocará se encuentra la Sonata 4 en do menor BWV 1017
de Bach original para violín y clave y que interpretará con un violín moderno y
con acompañamiento de piano.
Una
primera opción de trabajo de investigación sería elaborar una especie de notas
al programa. En ellas hablaría un poco de la biografía de Bach, del contexto
histórico de la composición y quizá algunos apuntes críticos recogidos en otros
comentarios a Cds, en la web y en bibliografía general. En esta modalidad las
preguntas de investigación se limitarían a una información básica suficiente
para satisfacer la curiosidad de cualquier melómano y es poco probable que se
produzca conocimiento nuevo. Para muchos centros este tipo de trabajo es válido
y suficiente pues lo importante es que el estudiante “toque bien” y no que
“hable” sobre la música. En muchos casos, se argumenta enfáticamente que la actividad
artística es en sí misma generadora de conocimiento por lo que debe ser
reconocida como un modo de investigación. A esta argumentación la llamamos homologación. Hemos de reconocer que una
parte importante del discurso de la investigación artística defiende la
homologación con un discurso epistemológico sofisticado en el que se mencionan una
gran cantidad de complejas teorías y autores contemporáneos, aunque no siempre
desde una interpretación adecuada (Smith & Dean, 2009: 5; Haseman, 2006: 6).
La homologación no prevé ninguna transformación o cambio de las prácticas
habituales del músico práctico. Si bien autores como (Borgdorff & Schuijer,
2010, p. 19) puntualizan que existe una diferencia entre creación e
investigación artística, no ofrecen recursos metodológicos para transitar, en
términos formales, del trabajo de creación a uno de investigación.
Puede
darse también el caso opuesto, que a la misma estudiante se le exija un trabajo
de investigación de formato académico. En este caso tendría que realizar una
investigación bibliográfica exhaustiva para detectar, obtener y estudiar textos
musicológicos sobre la sonata. Su trabajo escrito incluiría, por ejemplo,
detalles biográficos y contextuales sobre las circunstancias de composición de
la obra pero ya no al nivel de las notas al programa sino mucho más
especializado donde gran parte de sus afirmaciones tendrán que respaldarse en fuentes
musicológicas autorizadas. También se ocuparía de meticulosos análisis formales
de la pieza, discusiones filosófico-estéticas o valoraciones críticas de la
obra. Es posible que en su investigación bibliográfica se encuentre con
artículos que señalan las similitudes del primer movimiento de la sonata, siciliano, con el aria Erbarme dich
de la Pasión según San Mateo, BWV 244, en la que
Pedro se arrepiente de haber negado tres veces a Jesús e implora su perdón: “Ten
piedad de mí, Dios mío, advierte mi llanto/ Mira mi corazón y ojos que lloran
amargamente ante Ti/ ¡Ten piedad de mí!”. De este modo, su escrito
podría contener secciones que hablen sobre las técnicas de parodia detectados
en la composición de la pasión en base a artículos como los de (Brainard, 1969).
Podría también establecer relaciones intertextuales entre estas obras y pinturas de la época que
abordan también este episodio bíblico.
También
se podría adentrar en algunos de los problemas culturales que aborda la
musicología contemporánea y hacerse eco de los complejos temas de subjetividad
en música citando y estudiando trabajos como los de (Cumming, 1997, 2000) que
inspecciona los aspectos de subjetividad involucrados en el tema del llanto en
la parte de violín de Erbarme dich e
intentar aplicar estas reflexiones al primer movimiento de la sonata. Siguiendo
en esta línea, quizá realice algunas interpretaciones hermenéuticas basadas en
las relaciones intertextuales entre las dos obras. Aquí las preguntas de
investigación se harían más complejas y podrían ir desde ¿cuáles son las
características formales de la sonara BWV 1017 de Bach? hasta ¿cómo son los
vínculos entre el primer movimiento de la sonata BWV 1017 y el aria Erbarme dich?
o además de las relaciones formales entre ambas, ¿es posible establecer alguna relación
de significado entre ellas? Como es evidente, este tipo de trabajo responde a
una investigación musicológica que puede realizar un teórico o historiador del
arte sin necesidad de recurrir a los conocimientos o habilidades del músico
práctico. Estamos ante un caso de asimilación.
La
asimilación en la exigencia institucional
que se la hace al músico práctico de realizar un trabajo con los principios,
formatos y criterios propios de la investigación académica universitaria,
pasando por alto sus peculiaridades formativas, profesionales e intereses. En
muchos casos y por diversas razones, esta asimilación se presenta a manera de musicología encubierta: el discurso
institucional afirma que se trata de investigación artística pero en realidad
sus exigencias, por alguna razón, tienen que someterse a los modelos universitarios
habituales. Podríamos decir que la homologación es arte sin investigación, mientras que la asimilación es investigación sin arte. Ninguna de las
dos alternativas en negativa en sí misma. La posibilidad de aplicarlas depende
de cada centro, pero ¿es que no hay otras vías para la investigación artística?
Pensemos
ahora en otro escenario. En éste, la estudiante, más allá de aspectos
biográficos, históricos o analíticos, decide dedicar su trabajo a analizar
diferentes versiones de la sonata la sonata BWV 1017 de Bach a través de diferentes
grabaciones tanto en instrumentos modernos como en interpretaciones
históricamente informadas con instrumentos de época. Usando software para la
visualización de sonido y comparación de archivos sonoros como sonic visualiser,
compara fraseos, articulaciones, elección y gestión del tempo, los diferentes estilos
de gestionar el vibrato, las cesuras entre frases e incluso podrá describir los
estilos interpretativos de cada violinista. Si analiza un corpus de grabaciones
considerablemente grande, podría realizar un estudio comparativo de estilo
cuantitativo como los realizados por Bowen (1996) y Leech-Wilkinson (2009,
2010), o las colaboraciones habituales del International Symposium on
Performance Science (Williamon & da Costa Coimbra, 2007; Williamon,
Edwards, & Bartel, 2011; Williamon, Pretty, & Buck, 2009; Williamon
& Goebl, 2013). Aquí las preguntas de investigación se concentrarían en
aspectos propios de la interpretación: ¿cómo ha cambiado la elección de tempo
en la sonata a lo largo del siglo XX? Además de las diferencias de estilo en la
gestión del vibrato o articulación, ¿Existen algunas coincidencias entre el
fraseo de las versiones con instrumentos modernos y las que usan instrumentos
de época con criterios históricos? Evidentemente, un proyecto de esta
naturaleza se aproxima mucho a las competencias exclusivas de un intérprete
musical. Sin embargo, el hecho que se haga de la performance musical el objeto
de estudio principal, no implica que el proyecto en sí mismo contenga metas
artísticas. Este trabajo bien podría realizarlo un musicólogo con un buen historial
en la práctica instrumental no profesional y con la suficiente sensibilidad.
Algo
que el musicólogo no podría hacer, sin embargo, es emplear un estudio comparativo
de las diversas versiones como el anterior, para informar su propia interpretación de la sonata. En este tipo de
proyecto, la estudiante podría analizar diferentes interpretaciones de un determinado
pasaje del primer movimiento de la sonata en grabaciones de varios violinistas
y discutir sobre su impacto en la expresividad general del siciliano. Si por ejemplo, su intención
artística es establecer un nexo de significación entre siciliano y el aria Erbarme
dich, si desea expresar algunos afectos complejos como el arrepentimiento,
la culpa o el dolor, quizá podría evaluar qué soluciones interpretativas son
las más convincentes no ya desde el punto de vista de un musicólogo o académico
reconocido, sino desde su propio gusto musical, su intuición y criterio
artísticos que aplicará a su propia interpretación. En este caso, las preguntas
de investigación se transforman sensiblemente: ¿Cómo expresar el
arrepentimiento y la culpa en el primer movimiento de la sonata BWV 1017 de
Bach? ¿Qué aspectos del fraseo, articulación o tempo colaboran a esa
expresividad? Aquí ya entramos de lleno en la investigación artística.
Pero
podemos ir más allá. A nuestra estudiante le puede interesar experimentar por
ella misma diferentes posibilidades de expresión de la culpa o de cualquier
otro afecto en esta sonata. Entonces ha de probar
en su propio instrumento, distintos modos de fraseo, articulación o agógica en
el violín y elegir entre éstos el que considere más apto para la expresividad
que quiere lograr. Metodológicamente tendría que elaborar un marco de
experimentación en el que debería definir qué es exactamente lo que quiere
probar; diseñar y definir cómo va a realizar las diferentes pruebas y cómo las
va a registrar en audio y/o video. Luego tendrá que analizar cada prueba por
ella misma, con la ayuda de otros observadores o bien buscar la opinión de un
grupo más amplio de individuos (especialistas o no) a través de encuestas y
cuestionarios en los que, para cada una de sus propias interpretaciones de
cierto pasaje, pregunte al encuestado cosas del tipo “elija que tipo de afecto
le sugiere cada una de estas interpretaciones: a) melancolía; b) culpa; c)
serenidad; d) perturbación; e) tristeza, etc.”
Otra
vía para un proyecto similar se daría si la estudiante está interesada en algunos
aspectos de la interpretación históricamente informada y desea saber qué dicen
tratados de la época y manuales recientes sobre la interpretación de un siciliano
como el de esta sonata. Supongamos que no le interesa tocar un instrumento
histórico, sino adaptar algunos elementos de la interpretación históricamente
informada a su instrumento y gusto musical. La estudiante deberá leer tratados históricos
y manuales recientes de interpretación y resumir su contenido. En su escrito
nos informará de cómo los aplicó en su interpretación y en el concierto escucharíamos
la eficacia de su elección interpretativa su correspondencia con lo prescrito en
los manuales. Es muy probable que el trabajo escrito adquiera el formato de
memoria: la estudiante informa
retroactivamente sus elecciones artísticas durante el proceso de montaje de
la obra.
Pero
existe también la posibilidad que la violinista no sólo lea tratados y manuales,
sino que recurra a algunas grabaciones con intérpretes reconocidos de la música
antigua y compare cómo han resuelto algunos pasajes, fraseos u ornamentaciones y
coteje estas soluciones prácticas con lo que dicen los tratados. Intentaría
responder a las preguntas ¿La práctica de la interpretación históricamente
informada sigue consistentemente las prescripciones de los tratados y manuales de
interpretación histórica?, ¿Existen diferentes maneras de interpretar una misma
instrucción? ¿Hay soluciones interpretativas de ejecutantes reconocidos de la
música antigua que no se apeguen a ninguna prescripción histórica sino a su
gusto o a alguna tradición moderna? En este caso empleará de nueva cuenta las
grabaciones como fuente de información similar a la bibliografía.
Pero
nuestra estudiante puede ir aun más lejos. Puede intentar un análisis
interpretativo de las soluciones escuchadas y proponer algunas alternativas de
apropiación de cada prescripción de interpretación encontrada en los manuales y
tratados y experimentar con ellas hasta encontrar el modo que más de adecue a
su gusto o intenciones expresivas. De este modo establecería un diálogo y un
proceso de negociación estética que comprendería tratados y manuales (fuentes
musicológicas), la realidad de las prácticas de interpretación (fuentes
prácticas de interpretación musical) y su propia experiencia, gusto,
subjetividad y proyecto artístico de interpretación (fuente autoetnográfica). Este
último caso es un excelente ejemplo de cómo en la investigación artística, la
práctica artística se convierte en fuente de información, espacio de reflexión
y vehículo de comunicación de los resultados de la investigación. Estamos ante
un proyecto que sólo puede realizar un músico práctico. Un muy buen modelo de
investigación artística.
También
puede darse el caso que nuestra estudiante sea mucho más inquieta de lo que nos
imaginamos. Quizá esté preocupada por aquellas estadísticas que dicen que el
publico de la música clásica se reduce al tiempo que se avejenta y decida
aprovechar su trabajo final para brindar alternativas de performance, crear
estrategias para llegar a nuevos públicos, construir nuevas audiencias y
experimentar con soportes que, si bien son de uso común en otras tradiciones
musicales, son poco explorados en la música clásica. Entonces su proyecto no se
concentra solamente en los aspectos interpretativos de su instrumento sino que
además se proponga, quizá, una performance con interacción de otros medios.
Quizá quiera leer antes de la interpretación de la sonata algún poema o texto
vinculado con lo que ella quiere expresar en su interpretación. Quizá durante
su interpretación quiera proyectar imágenes estáticas o en movimiento
vinculadas a los contenidos de la música como detalles de algunos cuadros que
representan el pasaje bíblico de las lágrimas de San Pedro, o imágenes actuales
que representen su idea de la pérdida de la fe, la traición, la desconfianza o
de otros contenidos. Podría también transmitir en directo imágenes tomadas en
el momento mismo de su performance con algún tipo de transformación en tiempo
real realizadas por algún vj colaborador. O quizá quiera seguir el ejemplo de
algunos intérpretes de música clásica o antigua que están incursionando en el
video clip y realizar una producción de este tipo (Cristóbal & López-Cano,
2013).
En
este caso su trabajo escrito podría profundizar en aquello que pretende lograr
estética o socialmente con este modelo de performance. Puede hacer un discurso
donde aparezcan los criterios con los que se asocian las proyecciones con su performance,
o una reflexión sobre la necesidad de atraer nuevos públicos a los repertorios
de la música clásica, de renovar los formatos de concierto, de colonizar
imaginarios colectivos de los que la música clásica parece marginarse, etc. Con
este tipo de trabajo tiene la oportunidad de no limitar su escrito a una
memoria retroactiva de lo que hizo, sino a expandir por medios verbales, las
inquietudes y reflexiones que son el motor de su proyecto artístico. Aquí sus
preguntas de investigación podrían ser ¿Cómo atraer al público joven a los
conciertos de música clásica?, ¿Cómo la música de arte europea puede apropiarse
de formatos de interpretación musical propias de otras tradiciones como el pop?
¿De qué manera se pueden vincular imágenes en movimiento con una performance de
Bach?, etc. Este tipo de emplazamiento puede tener un lado académico en sus
argumentaciones o desarrollos o bien tener un aspecto experimental-evaluativo
si por medio de entrevistas o cuestionarios como los descritos anteriormente,
le interesa obtener reacciones y valoraciones de profesores, colegas o público
en general. Pero a diferencia de la investigación académica tradicional, toda
su argumentación y reflexión tendrán como eje la propuesta efectiva de una obra
o instancia artística en la que la autora del proyecto va a poner en juego sus
competencias y saberes artísticos.
Hay
otra opción a considerar por nuestra estudiante. Si bien ésta no es común en la
investigación artística en música, se puede encontrar frecuentemente en proyectos
similares de otras artes. Imaginemos: la sonata BWV 1017 de Bach posee una importancia
personal muy importante para la violinista. Cuando era niña su padre la escuchaba
constantemente. Ella la recuerda sonando en los altavoces del auto durante los viajes
familiares desde la capital a su pequeño pueblo natal perdido en las provincias
de Albacete, Badajoz o Gerona. La obra está en el centro de una parte
importante de su historia familiar, cuando abandonaron el pueblo para
trasladarse a la ciudad para que ella y su hermano pudieran seguir sus estudios
musicales. La sonata es a un tiempo el recuerdo de ese espacio natal y del
interés de su familia de insertarse en un tejido social moderno. Entonces su
proyecto de interpretación quizá esté marcado no sólo por sus preferencias y
gusto estético ni por las diferentes tradiciones interpretativas recogidas en
varias grabaciones, ni por los estudios musicológicos sino por toda una memoria
personal fundamental, que sustenta su identidad como músico y que ella se ha
decidido a explorar creativamente. Supongamos que la versión que escuchaba de
pequeña sea aquella nada convencional de Jaime Laredo (violín) y Glenn Gould
(piano) (1974, Sony Music). Y uno de sus intereses interpretativos sea recuperar
algunos de los gestos estilísticos de esa versión no para imitarlos, sino para
incorporarlos en una poética personal y original, en su propia interpretación y
explorar cómo éstos detonan un profundo significado personal y familiar.
Su
trabajo escrito no sólo se concentraría en pormenores históricos, analíticos,
interpretativos o estéticos de la música, sino en el significado particular de
esa versión en su memoria familiar. Puede incluir entrevistas a profundidad con
diferentes miembros de su familia realizadas antes o durante la audición de la
obra; contrastar los efectos que causa en ellos la versión de Laredo y Gould y
la suya propia y explorar coincidencias y divergencias en la construcción del
relato de la historia familiar a través de la música. Si su performance incluye
imagen o si desea hacer un videoclip a partir de su interpretación, puede
incorporar viejas fotos familiares, de su pueblo, de acontecimientos sociales e
históricos de esa época. Su propuesta artística no sólo sería una manera más de
interpretar la hermosa obra de Bach, sino que tendría un alto interés
antropológico. Este trabajo autoetnográfico (dentro del cual su interpretación musical
forma parte), informaría cómo el viejo Bach colabora en la generación de tejido
afectivo y memoria entre los miembros de una familia que, alejada de los
centros hegemónicos del arte musical europeo y sus dinámicas particulares, construyó
significados profundos para sus vidas.
En
este caso, las preguntas de investigación podrían ser ¿Cuál es el papel de la
sonata BWV
1017 de Bach dentro de las relaciones afectivas de mi familia?, ¿De qué
modo detona o subvierte una memoria familiar particular?, ¿Cómo unifica o disgrega
esa memoria colectiva?, ¿Qué relación existe entre esta música y mi historia
como músico y persona?, ¿Esos significados personales afectan a mi
interpretación, los uso como motor de mi interpretación o son negados o
disminuidos a favor de otros elementos con mayor importancia dentro de las
idiosincrasias tradicionales de la música clásica?
Conclusiones
Esta
cartografía localiza una amplia zona donde aparece la investigación artística
en música. Ante las publicaciones habituales que se extravían en complejos
devaneos epistemológicos o estériles enumeraciones de casos, nuestro reto es
proponer estrategias prácticas simples pero eficaces para que nuestros alumnos generen
preguntas e ideas de investigación adecuadas a la práctica artística, inserten sus
prácticas de estudio dentro de lógicas de investigación no invasivas y que no
atenten bruscamente contra su idiosincrasia. Estas propuestas han de
convertirse en impulsos, ayudas, provocaciones y no en nuevos moldes, fronteras
y limitaciones. El objetivo es que nuestros estudiantes comiencen a generar sus
propias preguntas, a proponer nuevos retos metodológicos y nuevos problemas que
una vez más nos tocará a nosotros reflexionar y resolver. Habremos entonces que
volver sobre nuestros pasos y, si es necesario, decretar la obsolescencia de
algo de lo que hemos comentado en este artículo y para pensar nuevas
propuestas.
La
ruta de la investigación artística es esta espiral de retroalimentación. Pero
no hay que perder de vistas las consecuencias de este proceso. Es innegable que
"la investigación está generando diversidad por medio de la
desestabilización de las jerarquías tradicionales en los conservatorios”
(Polifonia Research Working Group, 2010, p. 54). Como toda implementación de
proyectos I+D, la investigación artística es un instrumento de transformación
de prácticas, valores y tradiciones, “es un vehículo para el cambio"
(Polifonia Research Working Group, 2010, p. 57). ¿Estarán los conservatorios del
estado español dispuestos a abrirse a este proceso?
Referencias
ArtesnetEurope.
(2010). Peer Power! The Future of Higher Arts Education in Europe.
Amsterdam: ELIA.
Baers, M.
(2011). Inside the Box: Notes From Within the European Artistic Research
Debate. e-flux. Recuperado a partir de
http://www.e-flux.com/journal/inside-the-box-notes-from-within-the-european-artistic-research-debate/
Borgdorff, H.
(2012). The conflict of the faculties. Leiden: Leiden University Press.
Borgdorff, H.,
& Schuijer, M. (2010). Research in the conservatoire: Exploring the middle
ground. Dissonanz/Dissonance, 110, 14–19.
Bowen, J. A.
(1996). Tempo, duration, and flexibility: Techniques in the analysis of performance.
Journal of Musicological Research, 16(2), 111–156.
Brainard, P.
(1969). Bach’s Parody Procedure and the St. Matthew Passion. Journal of the
American Musicological Society, 22(2), 241-260.
Cristóbal, Ú.
S., & López-Cano, R. (2013). The short music video in early and classical
music. L’ESMuC
digital. Revista de L’Escola Superior de Música de Catalunya, 23.
Recuperado a partir de
http://www.esmuc.cat/esmuc_digital/Esmuc-digital/Revistes/Numero-23-desembre-2013/Espai-de-recerca
Cumming, N.
(1997). The Subjectivities of’Erbarme Dich’. Music Analysis, 5–44.
Cumming, N.
(2000). The sonic self: Musical subjectivity and signification. Bloomington: Indiana University Press.
Fortin, S. (2006).
Apports possibles de l’ethnographie et de l’autoethnographie pour la recherche
en pratique artistique. En E. Le Coguiec & P. Gosselin (Eds.), La
recherche création pour une compréhension de la recherche en pratique
artistique (pp. 97-109). Québec: Presses de l’Université du Québec.
Green, L.
(s. f.). Recognising practice-led research …
at last! Recuperado
a partir de http://www.pica.org.au/downloads/141/L_Green.pdf
Hannula, M., Suoranta, J., & Vadén, T. (2005). Artistic Research. Theories, Methods and Practices. Helsinki: Academy of Fine Arts.
Haseman, B.
(2006). A Manifesto for Performative Research. Media International Australia
incorporating Culture and Policy, (118), 98-106.
Joint Qualitity
Initiative. (2004). Shared ‘Dublin’descriptors for Short Cycle, First Cycle,
Second Cycle and Third Cycle Awards.
Knowles, J. G.,
& Cole, A. L. (2008). Handbook of the arts in qualitative research:
perspectives, methodologies, examples, and issues. Los Angeles: Sage Publications.
Le Coguiec, E.,
& Gosselin, P. (2006). La recherche création pour une compréhension de
la recherche en pratique artistique. Québec: Presses de l’Université du Québec.
Leech-Wilkinson,
D. (2009). The changing sound of music: approaches to studying recorded
musical performances. London: Charm. Recuperado a partir de
http://www.charm.kcl.ac.uk/studies/chapters/intro.html
Leech-Wilkinson,
D. (2010). Performance Style in Elena Gerhardt’s Schubert Song Recordings. Musicae
Scientiae,
14(2), 57-84. doi:10.1177/102986491001400203
López-Cano, R. (2013). Del proyecto final al trabajo final
de grado. Tipos y estrategias básicas del trabajo escrito. L’ESMuC digital.
Revista de L’Escola Superior de Música de Catalunya, 17. Recuperado
a partir de
http://www.esmuc.cat/esmuc_digital/Esmuc-digital/Revistes/Numero-17-abril-2013/Article/Article
López-Cano, R., & San Cristóbal, Ú. (2014). Investigación
artística en música: problemas, métodos, paradigmas, experiencias y modelos.
Barcelona: Fonca-Esmuc.
McNiff, S.
(2008). Art-Based Research. En J. G. Knowles & A. L. Cole (Eds.), Handbook
of the Arts in Qualitative Research Perspectives, Methodologies, Examples, and
Issues (pp. 29-40). Sage Publications.
Muntané, M. C. G., Hernández, F. H., & López, H. J. P.
(2006). Bases para un debate sobre investigación artística. Madrid: Ministerio de Educación y Ciencia.
Nelson, R.
(2009). Modes of Practice-as-Research Knowledge and their Place in the Academy.
En R. Nelson (Ed.), Practice-as-research in performance and screen (pp.
112-130). Palgrave Macmillian.
Polifonia
Research Working Group. (2010). Researching Conservatoires. Enquiry,
Innovation and the Development of Artistic Practice in Higher Music Education
(Polifonia Research Working Group). Utrecht: AEC Publications.
Rolling, J. H.
(2013). Arts-based research. Nueva York: Peter Lang.
Schwab, M.
(2013). Experimental systems: future knowledge in artistic research.
Leuven: Leuven University Press.
Smith, H.,
& Dean, R. T. (2009). Practice-led research, research-led practice in
the creative arts. Edinburgh: Edinburgh University Press.
Solleveld, F.
(2012). A Paradigm for What?. Review of: Henk Borgdorff (2012) The Conflict of
the Faculties: Perspectives on Artistic Research and Academia. Krisis.
Journal for Contemporary Philosophy, (2), 78-82.
Steyerl, H.
(2010). Aesthetics of Resistance? Artistic Research as Discipline and Conflict.
European
Institute for Progressive Cultural Policies. Recuperado a partir de
http://eipcp.net/transversal/0311/steyerl/en
Suárez Quintero, S. (2013). De memorias, mujeres y
retratos. La construcción de un repertorio fotográfico de un sistema familiar
que se origina en Marquetalia, Caldas. (Tesis de la Maestría en Estudios
Artísticos.). Universidad Distrital Francisco José de Caldas., Bogotá.
Williamon, A., & da Costa Coimbra, D. da C. (2007). Theories, Methods, and Applications in Music:
Proceedings of the International Symposium on Performance Science 2007. Utrecht: Association européenne des
conservatoires, académies de musique et Musikhochschulen (AEC). Recuperado
a partir de http://www.performancescience.org/ISPS/ISPS2007/Proceedings
Williamon, A.,
Edwards, D., & Bartel, L. R. (Eds.). (2011). Models of Performance:
Proceedings of the International Symposium on Performance Science 2011.
Utrecht: AEC.
Williamon, A.,
& Goebl, W. (Eds.). (2013). Performing Together: Proceedings of the
International Symposium on Performance Science 2013. Brussels: AEC.
Williamon, A.,
Pretty, S., & Buck, R. (Eds.). (2009). Performing Excellence:
Proceedings of the International Symposium on Performance Science 2009.
Utrecht: AEC.
Wilson, M.,
& Ruiten, S. van (Eds.). (2013). SHARE. Handbook for Artistic Research
Education. Amsterdam,
Dublin, Gottenburg: SHARE Network.
Zaldívar, Á. (2005). Las enseñanzas musicales y el nuevo
Espacio Europeo de Educación Superior: El reto de un marco organizativo
adecuado y la necesidad de la investigación creativa y «performativa». Revista
Interuniversitaria de Formación del Profesorado,, 19(1), 95-122.
Zaldívar, Á. (2006). El reto de la investigación artística y
performativa. Eufonía, 38, 87-94.
Zaldívar, Á. (2008, marzo 17). Investigar desde el arte.
Santa Cruz de Tenerife.
Para un trabajo similar veáse
Suárez Quintero (2013).
------------------------------------------------------
Referencias bibliográficas del libro entero:
AAVV. 2013a. Between Madness and
Method. Third European Platform for Artistic Research in Music (EPARM). Program and
abstracts. Lyon: AEC-Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Lyon.
———. 2013b. Master Research Symposium. Program and abstracts. La Haya:
Real Conservatorio de la Haya.
Andrews, Richard. 2003. Research
Questions. London; New York: Continuum.
ArtesnetEurope.
2010. Peer Power! The Future of Higher Arts Education in
Europe. Amsterdam: ELIA.
Asprilla,
Ligia Ivette. 2013. El proyecto de creación-investigación. La investigación
desde las artes. Santiago de Cali: Institución Universitaria del Valle del
Cauca.
Barbour,
Rosaline S. 2013. Los grupos de discusión en investigación cualitativa.
Madrid: Morata.
Bartleet, Brydie-Leigh, y Carolyn Ellis.
2009. Music Autoethnographies Making Autoethnography Sing: Making Music
Personal. Bowen Hills, Qld.: Australian Academic Press. http://site.ebrary.com/id/10545986.
Biggs, Michael, y Henrik Karlsson. 2011. The
Routledge Companion to Research in Arts. Oxon & New York: Routledge.
Borgdorff, Henk, Johan A. Haarbe, Mick
Wilson, y Schelte van Ruiten. 2013. «Research Assessment and Qualification
Frameworks». En SHARE Handbook for Artistic Research Education, 230-39.
Amsterdam, Dublin, Gottenburg: SHARE Network.
Borgdorff, Henk, y Michiel Schuijer. 2010.
«Research in the conservatoire: Exploring the middle ground». Dissonanz/Dissonance
110: 14-19.
Candy, Linda. 2006. «Practice Based
Research: A Guide». CCS Report.
Chenail, Ronald J. 2008. «“But is it
research?”: A Review of Patricia Leavy’s Method Meets Art: Arts-Based Research
Practice». The Weekly Qualitative Report 1 (2): 7-12.
Coessens, Kathleen, Darla Crispin, y Anne
Douglas. 2009. The Artistic Turn: A Manifesto. Ghent, Belgium; Leuven,
Belgium: Orpheus Instituut ; Distributed by Leuven University Press.
Easton, Leonore. Sf. «Rapport sur les
méthodes utilisées en recherché artistique dans le domaine des arts de la
scène». La Manufacture – Haute école de théâtre de Suisse roman de.
Finley, Susan, J. Gary Knowles, y Ardra L.
Cole. 2008. «Arts-based research». En Handbook of the Arts in Qualitative
Research Perspectives, Methodologies, Examples, and Issues, 71-82. Los Angeles:
Sage Publications.
Fortin, Sylvie. 2006. «Apports possibles de
l’ethnographie et de l’autoethnographie pour la recherche en pratique
artistique». En La recherche création pour une compréhension de la
recherche en pratique artistique, editado por Éric Le Coguiec y Pierre
Gosselin, 97-109. Québec [Que.]: Presses de l’Université du Québec.
Frayling, Christopher. 1993a. «Research
in art and design». Royal College of Art Research Papers 1 (1): 1-5.
Frosch, J.D. 1999. «Dance ethnography». En
Researching Dance: Evolving Modes of Inquiry, editado por S. Fraleigh y
P. Hanstein. Pittsburgh:
University of Pittsburgh.
Gómez
Muntané, Maricarmen. 2006. «Campos, temas y metodologías de la investigación
relacionada con las artes: algunas relfexiones sobre el caso de la
musicología.» En Bases para un debate sobre investigación artística,
73-86. Madrid: Ministerio de Educación y Ciencia.
Green, Lelia. «Recognising practice-led
research … at last!» http://www.pica.org.au/downloads/141/L_Green.pdf.
Hannula,
Mika, Juha Suoranta, y Tere Vadén. 2005. Artistic
Research. Theories, Methods and Practices. Helsinki: Academy of Fine Arts.
Haseman, Brad. 2006. «A Manifesto for
Performative Research». Media International Australia incorporating Culture
and Policy, n.o 118: 98-106.
Haseman, Brad, y Daniel Mafe. 2009.
«Acquiring Know-How: Research Training for Practice-led Researchers». En Practice-Led
Research, Research-Led Practice in the Creative Arts, editado por Hazel
Smith y R. T. Dean, 211-28. Edinburgh:
Edinburgh University Press.
Hernández,
Fernando. 2006. «Campos, temas y metodologías para la investigación relacionada
con las artes». En Bases para un debate sobre investigación artística,
9-50. Madrid: Ministerio de Educación y Ciencia.
Joint Qualitity Initiative. 2004. «Shared
‘Dublin’descriptors for Short Cycle, First Cycle, Second Cycle and Third Cycle
Awards.»
Jørgensen, Harald. 2009. Research into
Higher Music Education: An Overview from a Quality Improvement Perspective.
Oslo: Novus Press.
Kershaw, Baz, Lee Miller, Joanne ‘Bob’
Whalley, Rosemary Lee, y Niki Pollard. 2011. «Practice as Research:
Transdisciplinary Innovation in Action p. 63.» En Research Methods in
Theatre and Performance, editado por Helen Nicholson y Baz Kershaw, 63-85.
Edinburgh: Edinburgh University Press.
Kershaw, Baz, y Helen Nicholson. 2011. Research
Methods in Theatre and Performance. Edinburgh: Edinburgh University Press.
Knowles, J. Gary, y Ardra L Cole. 2008. Handbook
of the Arts in Qualitative Research: Perspectives, Methodologies, Examples, and
Issues. Los Angeles: Sage Publications.
Kozel, Susan. 2007. Closer: Performance,
Technologies, Phenomenology. Cambridge, Mass.: MIT Press.
Laurier, Diane, y Nathalie Lavoie. 2013.
«Hors thème Le point de vue du chercheur-créateur sur la question
méthodologique : une démarche allant de l’énonciation de ses représentations à sa
compréhension». Recherches Qualitatives 32 (2): 294-319.
Le Coguiec, Éric, y Pierre Gosselin. 2006. La
recherche création pour une compréhension de la recherche en pratique
artistique. Québec: Presses de l’Université du Québec.
Leavy, Patricia Lina. 2009. Method
Meets Art. New York: Guilford Press.
McKechnie, Shirley, y Catherine Stevens.
2009. «Knowledge Unspoken: Contemporary Dance and the Cycle of Practice-led
Research, Basic and Applied Research, and Research-led Practice». En Practice-Led
Research, Research-Led Practice in the Creative Arts, editado por Hazel
Smith, y R. T. Dean, 84-103. Edinburgh: Edinburgh University Press.
McNiff, Shaun. 2008. «Art-Based Research».
En Handbook of the Arts in Qualitative Research Perspectives, Methodologies,
Examples, and Issues, editado por J. Gary Knowles y Ardra L. Cole, 29-40.
Los Angeles: Sage Publications.
———. 2013. Art as Research: Opportunities and Challenges.
Muntané,
Mari Carmen Gómez, Fernando Hernández Hernández, y Héctor Julio Pérez López.
2006. Bases para un debate sobre investigación artística. Madrid: Ministerio
de Educación y Ciencia.
MusicExperiment21-ORCiM. 2013.
«Experimentation versus Interpretation: Exploring New Paths in Music
Performance in the 21st Century». En SHARE. Handbook for Artistic Research
Education, 100-103. SHARE Network.
Nelson, Robin. 2009. «Modes of
Practice-as-Research Knowledge and their Place in the Academy.» En Practice-as-research
in performance and screen, editado por Robin Nelson, 112-30. Palgrave
Macmillian.
———. , ed. 2013. Practice as Research in the Arts: Principles, Protocols,
Pedagogies, Resistances. London: Palgrave Macmillan.
Polifonia Research Working Group. 2010. Researching
Conservatoires. Enquiry, Innovation and the Development of Artistic Practice in
Higher Music Education (Polifonia Research Working Group). Utrecht: AEC
Publications.
Polifonia Third Cycle Working Group. 2007.
Guide to third cycle studies in Higher music education. AEC Publications.
Utrecht: AEC.
Rodriguez, Noelie, y Alan Ryave. 2002. Systematic
Self-Observation. Thousand Oaks, Calif.: Sage.
Rolling, James Haywood. 2013. Arts-Based
Research. Nueva York:
Peter Lang.
Schwab, Michael. 2013. Experimental
Systems: Future Knowledge in Artistic Research. Leuven: Leuven University
Press.
Smith, Hazel, y R. T Dean. 2009. Practice-Led
Research, Research-Led Practice in the Creative Arts. Edinburgh: Edinburgh
University Press.
Solleveld, Floris. 2012. «A Paradigm for
What?. Review of: Henk Borgdorff (2012) The Conflict of the Faculties:
Perspectives on Artistic Research and Academia.» Krisis. Journal for
Contemporary Philosophy, n.o 2: 78-82.
Suárez
Quintero, Sandra. 2013. «De memorias, mujeres y retratos. La construcción de un
repertorio fotográfico de un sistema familiar que se origina en Marquetalia,
Caldas.» Tesis de la Maestría en Estudios Artísticos., Bogotá: Universidad
Distrital Francisco José de Caldas.
Teikmanis, Andris. 2013. «Typologies of
research». En SHARE. Handbook for Artistic Research Education, editado
por Mick Wilson y Schelte van Ruiten, 162-69. Amsterdam, Dublin, Gottenburg:
SHARE Network.
Williamon,
Aaron, y Daniela da Costa da Costa Coimbra. 2007. Theories,
Methods, and Applications in Music: Proceedings of the International Symposium
on Performance Science 2007. Utrecht: AEC.
Williamon, Aaron, Darryl Edwards, y Lee
Roy Bartel, ed. 2011. Models of Performance: Proceedings of the
International Symposium on Performance Science 2011. Utrecht: AEC.
Williamon, Aaron, y Werner Goebl, ed.
2013. Performing Together: Proceedings of the International Symposium on
Performance Science 2013. Brussels: AEC.
Williamon, Aaron, Sharman Pretty, y Ralph
Buck, ed. 2009. Performing Excellence: Proceedings of the International
Symposium on Performance Science 2009. Utrecht: AEC.
Wilson, Mick, y Schelte van Ruiten. 2013a.
«Pedagogical Model for Method Disclosure». En SHARE. Handbook for Artistic
Research Education, 275-80. Amsterdam, Dublin, Gottenburg: SHARE Network.
———. , ed. 2013b. SHARE. Handbook for Artistic Research Education. Amsterdam,
Dublin, Gottenburg: SHARE Network.
Zaldívar,
Álvaro. 2005. «Las enseñanzas musicales y el nuevo Espacio Europeo de Educación
Superior: El reto de un marco organizativo adecuado y la necesidad de la
investigación creativa y “performativa”». Revista Interuniversitaria de
Formación del Profesorado, 19 (1): 95-122.
———. 2006. «El reto de la investigación artística y performativa». Eufonía
38: 87-94.
———. 2008. «Investigar desde el arte» marzo 17, Santa Cruz de Tenerife.
