6 de enero de 2015

Música en significación: retórica, semiótica, cognición y corporalidad.





VIII Congreso Chileno de Musicología y IV de Jóvenes Investigadores “Convergencias, Perspectivas y Nuevas Tendencias en los Estudios sobre las Músicas de Hoy y del Pasado”
13 al 17 de enero de 2015 
Universidad Austral de Chile 

Conferencia Inaugural

Música en significación: retórica, semiótica, cognición y corporalidad.
Rubén López Cano

Grup de Recerca en Interpretació i Creació Musicals (2014 SGR 1382)

Escola Superior de Música de Catalunya

Palabras clave: Semiótica musical; Cognición musical corporizada; Enactivismo; Significación musical; Musical Affordances.

El problema del significado de la música es un misterio, un arcano que ha acompañado la reflexión del arte de los sonidos desde los antiguos griegos hasta nuestros días. Desde la era de la retórica musical de los siglos XVII y XVIII hasta la reciente neuromusicología, pasando por los locos años sesenta en que la vieja semiología estructural filo-lingüística inundó todas las áreas de las humanidades prometiéndonos futuros promisorios que nunca llegaron; las nociones de lo que se considera “significado” en música han cambiado radicalmente. 

La hermenéutica feroz de la New musicology nos enseñó que cualquier intento de comprender una obra musical implica una apuesta exegética que instaura un anillo dialógico y dinámico entre los contextos históricos y los del intérprete. Por su parte, la musicología cognitiva hegemónica actual (anclada en anticuados modelos de mente centralizada) ha mostrado que incluso las operaciones mentales implicadas en audiciones estructurales-adornianas, discretizan el flujo sonoro y lo organizan en unidades “semánticas” donde nuestras expectativas de lo que puede ocurrir y lo que realmente ocurre dialogan para construir sentido. Así mismo, la reciente investigación de orientación cuantitativa sobre el gesto musical ya sea dentro del paradigma de mente corporizada o del enactivismo, están ofreciendo evidencias de hasta qué punto el cuerpo y movimiento dentro y fuera de las actividades musicales están presenten en nuestra interacción con lo musical: no importa si nos movemos o no cuando hacemos o escuchamos música. 

Ahora es muy común hablar de procesos de significación musical, de los diferentes tipos de significado musical o de cómo cualquier actividad vinculada con la música, incluso el análisis formal más abstracto, está atravesada de procedimientos de significación que no se agotan en los objetos sonoros en sí mismos: implican las competencias de los sujetos así como los entornos culturales en los que la música es performativamente vivida en todas sus manifestaciones posibles. 

Las líneas de investigación recientes en este ámbito nos ofrecen un escenario muy estimulante para desarrollar algunos caminos de la investigación musical en Iberoamérica. 

Materiales

Bibliografía
Godøy, Rolf, y Marc Leman, eds. 2010. Musical gestures : sound, movement, and meaning. New York: Routledge.

Honing, Henkjan. 2011. Musical cognition: a science of listening. Somerset, N.J: Transaction.

López-Cano, Rubén. 2008. “Che tipo di affordances sono le affordances musicali? Una prospettiva semiotica”. En Daniele Barbieri, Luca Marconi e Francesco Spampinato (eds.). L'ascolto: condotte, pratiche, grammatiche. Lucca: LIM. pp. 43-54.
____2009. Música, cuerpo, mente extendida yexperiencia artística:la gesticulación de Keith Jarret en su Tokyo '84 Encore. Conferencia presentada en la VIII Reunión anual de la SACCoM (Sociedad Argentina para las Ciencias Cognitivas de la Música); La experiencia artística y la cognición musical, 25 y 26 de Junio de 2009.
____2012. Música y Retórica en el Barroco. Barcelona: Amalgama.
____2013. El error de Descartes y las tres venganzas de René. Introducción al Dossier Cognición Musical Corporeizada. Epistemus 2, pp. 9-21.
____2014. “Prólogo”. En Postbroadcasting.Innovación, colaboración y distribución en la industria musical. José Luis Fernández (coordinador). Buenos Aires: La crujía.
____2014. Música, mente y cuerpo. De la semiótica de la representación a una semiótica de la performativad. En Marita Fornaro (ed.). De cerca, de lejos. Miradas actuales en Musicología de/sobre América Latina. Montevideo: Universidad de la República, Comisión Sectorial de Educación Permanente /Escuela Universitaria de Música. pp. 41-78.

Tarasti, Eero. 2012. Semiotics of Classical Music How Mozart, Brahms and Wagner Talk to Us. Berlin; Boston: Mouton de Gruyter.

17 de diciembre de 2014

Evita, el Che, Gardel y el gol de Victorino: Funciones y significados del sampleo en el tango electrónico

Evita, el Che, Gardel y el gol de Victorino:
Funciones y significados del sampleo en el tango electrónico
María Emilia Greco (Universidad del Cuyo) y Rubén López Cano (Esmuc). Latin American Music Review. Volume 35, Issue 2, Fall/Winter 20142014


Resumen
Con mucha frecuencia en el tango electrónico se insertan sampleos de discursos de políticos, crónicas de fútbol, marcas sonoras de espacios urbanos, diálogos de filmes, programas de radio y tangos antiguos o actuales. Los sampleos dotan de significación específica a temas con o sin letra; vinculan el nuevo tango con los sonidos, voces y grabaciones del tango clásico; orientan políticamente el mensaje de las bandas colaborando a construir su imagen pública y se articulan con otros recursos para propiciar mecanismos específicos de interpelación identitaria. En este trabajo se analizan casos específicos de utilización de sampleo para detectar sus modos de operación, sus significados para músicos y público y se mapean sus estrategias de interpelación así como las narrativas identitarias que se detonan, fortifican o eluden por medio de éstos.

Palabras claves: tango electrónico - sampleo - identidades musicales     


Abstract
Very often electronic tango pieces includes audio samplings from speeches by politicians, football chronic, sound marks of urban spaces, dialogues of films, radio programs and tangos past or present. The samplings endow specific meaning to songs with or without words; link the new tango with sounds, voices and recordings of traditional tango, direct politically the message of the bands, working to build their public image and articulate with other resources to promote specific mechanisms of identity interpellation. In this paper we analyze specific cases of use of sampling to detect how they work, the significance to musicians and audiences, and also their strategies for interpellation and identity narratives; that are denoted, fortified or avoided using them.

Key words: electronic tango - sampling - musical identities


Chicago autor-fecha.

Estilos de referencias Chicago autor-fecha.

Libros
·         Zimmer, Gary. 1999. The biological farmer. Chicago: University of Chicago Press.
·         Beckham, Todd, ed. 1951. The soccer chronicles. Chicago: University of Chicago Press.

Libro dos autores
Barber, Llorenç, y Montserrat Palacios. 2010. La mosca tras la oreja. De la música experimental al arte sonoro en España. Madrid: Fundación Autor - SGAE.


Capítulo de un libro
·         Lowell, Frederick. 2006. "Why I Tried: The Mentality Behind a Crime". En The criminal mind, ed. Frank Alden, 101–2. Chicago: University of Chicago Press.

Libro electronico
·         Kamp, John C. y Alison Norris, ed. 1987. The lawn mowing guide. San Diego: Green Press. http://greenpress.com/lawnmowing/.

Artículo en revista cientifica
·         Fargo, Peter Paul. 2007. The facts of life. Philosophy 126:450-22.

Articulo en una revista científica en línea
·         Hennessy, Thomas W., Craig W. Hedberg, Laurence Slutsker, Karen E. White, John M. Besser-Wiek, Michael E. Moen, John Feldman, William W. Coleman, Larry M. Edmonson, Kristine L. MacDonald y Michael T. Osterholm. 2002. A national outbreak of Salmonella enteritidis infections from ice cream. The New England Journal of Medicine 287, no. 5 (6 de febrero),http://content.nejm.org/cgi/content/abstract/334/20/1281.


Artículo de periodico
·         Lachmund, Miles S. 2002. German chef recreates childhood soup for neighbors.New York Times, 20 de junio, sección Alimentos, Midwest edition.

Sitio web
·         Evanston Public Library Board of Trustees. Evanston Public Library strategic plan, 2000–2010: A decade of outreach. Evanston Public Library. http://www.epl.org/library/strategic-plan-00.html .


25 de noviembre de 2014

Investigación Artística UNIRIO-2014



UNIVERSIDADE FEDERAL DO ESTADO DO RIO DE JANEIRO – UNIRIO

CENTRO DE LETRAS E ARTES

PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO EM MÚSICA

III Simpósio Brasileiro de Pós-Graduandos em Música - SIMPOM
XX Colóquio do Programa de Pós-Graduação em Música da UNIRIO


25th November
9:30h – 11:30h:  Conferência Inaugural: Dr. Ruben López Cano: Investigación artística en música: problemas, métodos, paradigmas, experiencias y modelos

Materiales

Enlaces

Libro  (Ahora un fragmento. A partir del 19 de diciembre el libro entero gratuito)
Investigación artística en música: problemas, métodos, paradigmas, experiencias y modelos


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Solidarity with Ayontzinapa

Please join this battle against violence and injustice in Mexico.




Todos Sabemos
Documentary about the disappeared students from Ayotzinapa (english subtitles)

Mexico: the Wound of the World
Documentary about the violence in Mexico


Global Forum ayotzinapasomostodos


17 de noviembre de 2014

SIMPOM2014


UNIVERSIDADE FEDERAL DO ESTADO DO RIO DE JANEIRO – UNIRIO

CENTRO DE LETRAS E ARTES

PROGRAMA DE PÓS-GRADUAÇÃO EM MÚSICA

III Simpósio Brasileiro de Pós-Graduandos em Música - SIMPOM
XX Colóquio do Programa de Pós-Graduação em Música da UNIRIO


25th November
9:30h – 11:30h:  Conferência Inaugural: Dr. Ruben López Cano: Investigación artística en música: problemas, métodos, paradigmas, experiencias y modelos

15:30h – 17:30h : Conferência: Dr. Alejandro Vera - La circulación de la música en la América virreinal: el virreinato del Perú (siglo XVIII)


26th November
9h – 10:30h - Conferência: Dr. Beatriz Ilari (Music Education) - Música, empatia e comportamentos pró-sociais em crianças

10:30h – 12h – Mesa Redonda de Etnomusicologia –
Dr. Samuel Araújo - Práxis, Paisagens Sonoras e Concepções de Mundo; 

Um Comentário Crítico sobre Experiências no Brasil e na Colômbia.

Dr. Miguel García - Paisajes sonoros y percepción transensorial. El caso pilagá.

27th November
9h – 10:30h - Conference: Dr.  Janet Schmalfeldt (Musical Performance) - Beethoven’s ‘Violation’: His Cadenza for the First Movement of Mozart’s D-Minor Piano Concerto

10:30h – 12h – Mesa Redonda: Composição musical – Dr. Alan Williams and Dr. Marcilio Onofre (Composition) - Composition as Collaborative Process

18h – Dra. Susana Sardo – Conferência Inaugural do Laboratório de Etnomusicologia Elizabeth Travassos – Lançamento da Revista Debates n. 12

28th November
9h – 10:30h - Conference: Dr.  Dmitri Tymoczko (Music Theory) – Rock Logic


10:30h – 12h – Conference: Dr. Rodolfo Caesar (Sonology): Sujeito e objeto em loop: escutar nas entrelinhas

22 de octubre de 2014

COLOQUIODE INVESTIGACIÓN MUSICALUNIVERSIDADPEDAGÓGICA NACIONAL

Colombia
22-24 de octubre de 2014


Investigación artística en música.
¿Y eso qué tiene que ver con la pedagogía musical?


Rubén López Cano

Desde hace algún tiempo se habla de la investigación artística como un nuevo paradigma tanto de conocimiento como de creación, llamado a renovar la educación superior de las artes. Sin embargo, después de 20 años aun no existe una definición clara, ni una especificación de métodos, trabajos modélicos o tendencias. La gran mayoría de publicaciones sobre investigación artística en general consiste en a) reflexiones abstractas y complejas de naturaleza epistémica y ontológica, sobre lo que es el conocimiento y la investigación (Le Coguiec & Gosselin, 2006; Smith & Dean, 2009); b) circunstancias institucionales que obligan a asumir los protocolos académicos universitarios dentro de los estudios artísticos (Zaldívar, 2005, 2006) y c) estudios de casos aislados sumamente descriptivos y poco o nada reflexivos o críticos (ArtesnetEurope, 2010; Polifonia Research Working Group, 2010; Wilson & Ruiten, 2013).

Esta comunicación forma parte de un libro próximo a publicarse (López-Cano & San Cristóbal, 2014) e intentará localizar conceptualmente el espacio de acción de la investigación artística, entendiéndola como una actividad académica específica, distinta de la creación artística y la investigación académica, que pretende generar conocimiento efectivo sobre problemas artísticos, que sólo puede ser desarrollada por creadores prácticos, a partir de problemas de investigación explícitos, métodos claros, conciencia crítica y estrategias de comunicación insertas en un proceso de retroalimentación creación-reflexión. No pretendemos descifrar el enigma global de la investigación artística en música, pero sí contribuir un poco a su desarrollo en el contexto de los centros de educación musical superior iberoamericanos.

¿Cuál es la diferencia entre un proyecto de investigación musicológica y uno de investigación artística? ¿Cuáles son las principales tendencias en la investigación artística en música en la actualidad? ¿Cómo formalizar un proyecto de investigación artística? ¿Qué metodologías se pueden emplear? ¿Cómo pasar de la práctica musical habitual a la investigación artística en música? ¿Cómo se escribe en un proyecto de esta naturaleza? ¿Cómo se evalúa? ¿Cómo se defiende?

Se intentará responder a estas y otras preguntas a partir de experiencia específicas de trabajos realizados en diferentes centros de enseñanza e investigación musical del mundo. Así mismo, se analizará la pertinencia de estas modalidades de investigación en el seno de la formación de los pedagogos musicales:  los responsables de inseminar poiesis musical en la sociedad.

Referencias
ArtesnetEurope. (2010). Peer Power! The Future of Higher Arts Education in Europe. Amsterdam: ELIA.
Le Coguiec, E., & Gosselin, P. (2006). La recherche création pour une compréhension de la recherche en pratique artistique. Québec: Presses de l’Université du Québec.
López-Cano, Rubén y Úrsula San Cristóbal. 2014. Investigación artística en música: problemas, métodos, paradigmas, experiencias y modelos. Barcelona: Fonca-Esmuc.
Polifonia Research Working Group. 2010. Researching Conservatoires. Enquiry, Innovation and the Development of Artistic Practice in Higher Music Education (Polifonia Research Working Group). Utrecht: AEC Publications.
Smith, H., & Dean, R. T. (2009). Practice-led research, research-led practice in the creative arts. Edinburgh: Edinburgh University Press.
Wilson, Mick, y Schelte van Ruiten, eds. 2013. SHARE. Handbook for Artistic Research Education. Amsterdam, Dublin, Gottenburg: SHARE Network. 


Enlaces


Palabras Clave: investigación artística; musicología performativa; Art-Based Research, Practice-Based Research; Practice-led research; research-led practice.


18 de octubre de 2014

Choreoscope Barcelona 2014

Choreoscope Barcelona 2014







El 16 y 17 de octubre se realizó Choreoscope Barcelona 2014: international dance film festival Barcelona-Bucharest. Esta segunda edición del festival dedicado enteramente a la video danza, irrumpe sonora e inusitadamente en un medio que, al parecer, de empeñar buena parte de su creatividad en las ayudas oficiales ahora inexistentes, se está meneando más bien poco. El festival ha puesto sobre la pista de baile propuestas novedosas, nos ha agitado desde un lugar distinto y ha puesto un deslumbrante proyector sobre una práctica que día a día se consolida con producciones fascinantes y unos estándares de calidad desafiantes y exquisitos. Así lo corroboró un público entusiasta que abarrotó los cines Maldá; saturó las reservas de entradas y llegó a generar overbooking incluso para las actividades académicas. ¿Algún día la musicología llegará a tener tanto sexapil?

 

En esta ocasión, las proyecciones de cortometrajes de video danza se complementaron con una mesa redonda en la que teóricos y artistas reflexionaron sobre algunos problemas vinculados al cuerpo, el espacio y su mediación/reinvención audiovisual en estos tiempos en los que con más frecuencia oteamos el mundo a través de alguna pantalla.

 

Begoña Olabarria Smith del colectivo D+I (Danza más investigación) en su intervención El celuloide que bailó el fin-de-siècle: Cine primitivo y cuerpo moderno, nos llamó la atención sobre la nada casual coincidencia del surgimiento de cine como dispositivo constructor de modos de mirar más que de documentador de la realidad, con el surgimiento de la danza moderna y la emergencia de una corporalidad a la medida de la modernidad. Pasó lista a cortos protocinematográficos de finales del siglo XIX y principios del XX donde movimiento, danza y gestión de espacio anunciaban un futuro corporal atravesado de pantallas.


En un momento pregunté cuándo comienza el dispositivo audiovisual a construir y gestionar un espacio, cuerpo y ritmo propios (elementos que intuitivamente se me antojan distintivos de la vídeo danza) todo el panel al unísono y trepándose a internet, nos regaló este clásico de Maya Deren, A Study In Choreography for Camera (1945). 



Úrsula San Cristóbal observó que este breve film es también considerado como una de las primeras piedras angulares de la antropología audiovisual, un ámbito en el que discurso académico e impronta estética se dan la mano para producir conocimiento inter y transcultural. San Cristóbal también desarrollo el tema Tocarpara las cámaras: Reflexiones sobre el cuerpo del músico clásico occidental enla era de la mediatización. Los bailarines asistieron atónitos a una explicación de por qué los músicos "clásicos" nos llevamos muy mal con el cuerpo y el espacio y continuamos asfixiados en el anacrónico dogma de la música absoluta. Muy interesantes resultaron sus observaciones sobre cómo gestiona este tabú el reciente vídeo clip de música académica y sus agudos análisis de la anulación de espacio en vídeos como Si la noche haze escura (2009) del Dúo El Cortesano; la Cantate Domino (2014) de Sebastien Daucé & Ensemble Correspondances o la cautivadora vídeo-interpretación del lied Erlkonig de Schubert de Jessye Norman.







Así mismo, nos habló de notables excepciones en la creación de espacio y cuerpo en la vídeoperformance musical como la video-interpretación de la Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky por el dúo de pianos Anderson & Roe (2013) o en su propio trabajo sobre los imaginarios medievales en Sine tactuviri in delectationem movetur. Sensualidad y Espiritualidad en la música de Hildegard of Bingen (2013-2014).



La sesión terminó con las intervenciones de Izabel Barsive (Ottawa) y Charlotte Audureau (París), destacadas realizadoras francófonas cuyas obras se proyectaron durante el festival. Las diferencias más llamativas entre ellas tuvieron que ver con el acceso a recursos y financiamiento. Mientras que la parisina nos contó el limbo en el que caen los proyectos de vídeo danza en la pesada burocracia francesa, las piezas de Izabel están repletas de logotipos institucionales canadienses apoyadores de estas propuestas y que indudablemente mantienen muy saludable esta manifestación artística. Se nota cuando el estado no se interesa solamente por apoyar los bienes culturales patrimoniales (a los cuales permanece anclado), sino también por la creación nueva (como vía de alcanzar el futuro).


Barsive también transita por un proceso formativo y está preparando su tesis de máster por lo que algunas de sus inquietudes resuenan completamente en el pabellón de la investigación artística. Entre sus preguntas de investigación más estimulantes estaban sus devaneos en torno a la conveniencia o no de definir la vídeo danza; si las piezas audiovisuales deben articularse en torno a estructuras narrativas o si algunas de sus creaciones más experimentales como su poética Dance reflexión pueden ser consideradas como pertenecientes a este ámbito. 




DANCE REFLEXION from Izabel Barsive on Vimeo.

Inopinadamante me aventuré con un par de respuestas: la naturaleza narrativa de la vídeodanza creo que puede seguir siendo productiva cuando ésta venga acompañada de un concepto amplio de gestión del tiempo que vaya más allá del story telling  (para el cual ya hay una superabundancia de artefactos audiovisuales) y ponga el cuerpo y movimiento y sus modos peculiares de crear tiempo como eje vertebrador. Con respecto a sus obras más aventuradas yo creo que sí son vídeodanzas  pues el dispositivo audiovisual crea un cuerpo, un espacio, un tiempo y un ritmo propios, que sólo pueden habitar en la pantalla e invitan al espectador al movimiento, manifiesto o encubierto, dentro de la órbita de su propio universo kinético-fílmico.


En su intervención Charlotte mostró un contrastante discurso más posicionado y subjetivador que no se agota en la invitación estética. Para ella, la danza filmada es sobre todas las cosas una seductora acción política con consecuencias sociales concretas. Así lo pone en evidencia su maravillosa En las puntas de la indiferencia (2013) que nos muestra un París y unos parisinos muy alejados del turismo de masas y de la "grandeur" que la han hecho insoportable. Destaca el esmerado trabajo sonoro en el que el ruido de la acción ejecutora de los bailarines (que abre la puerta a más sutiles sinestesias táctiles y transpiradas) se combina con el sonido ambiental y la música. 



En las puntas de la indiferencia - Trailer - Subtitulos Espanol from Charlotte Audureau on Vimeo.

De las dos sesiones de proyecciones sólo puedo opinar de la segunda (la primera, con sus gintonics inaugurales, me la perdí). Fue un monográfico de realizaciones quebequenses. De lo más notorio: el altísimo nivel técnico y estético de las producciones y un pathos sórdido y algo desesperanzador en todas la piezas. Lo que nos recuerda que las subvenciones artísticas tampoco otorgan por sí mismas la felicidad.


Entre los filtros grises y amarillentos y las gélidas locaciones de los vídeos mostrados, destaca por supuesto Danse Macabre (2009) de Pedro Pires. El tratamiento del cuerpo y el espacio son soberbios y fue el único vídeo donde no ví “bailarines”. En su lugar aparece el baile, video-fílmico baile… y la irreductible kinesis orgánica del cuerpo aun después de la vida.



Danse Macabre from Centre Phi | Phi Centre on Vimeo.

La  estética visual de Pires es compleja, envolvente y con una personalidad sumamente poderosa que se puede apreciar en otros proyectos más recientes y fuera de la danza como Triptych (2013). 



Muy atractivo también es el trabajo de Alan Lake. Destaca fundamentalmente por la balanceada planificación macroformal de sus vídeos y el tratamiento narrativo que descansa en el color, los filtros y cierta empatía motora que funde espectador y bailarines. Esto se aprecia en su contundente -bas, Le Lointain (2012).




Là-bas, Le Lointain - Teaser - Alan Lake from Francois Gamache on Vimeo.

Los ecos de Choreoscope segirán por Cataluña en las próximas semanas y seguramente los tendremos de nuevo el próximo año con más proyecciones y una agenda de discusión teórica más ambiciosa y multidisciplinar. 


Choreoscope es un proyecto atizado por Loránd  János y Susanna Vivé, las cabezas visibles de un equipo pequeño pero sumamente eficiente y muy imaginativo. El resultado ha sido muy estimulante y la atmósfera completamente libre de esas vanidades y resentimientos que entorpecen la creatividad y el aprendizaje. ¡Y yo aprendí  y disfruté mucho!, ¡Muchas gracias chicos!!!