4 de noviembre de 2015

Visiones de América, Sonoridades de América


XII Congreso de la Asociación Internacional para el Estudio de la Música Popular
Rama Latinoamericana
Del 7 al 11 de marzo de 2016
La Habana, Cuba

Visiones de América, Sonoridades de América

SEGUNDA CIRCULAR

Estimados/as colegas:
Tenemos la satisfacción de anunciar los simposios que fueron aprobados para el XII Congreso de la rama latinoamericana de la Asociación Internacional para el Estudio de la Música Popular (IASPM-AL), que se realizará del 7 al 11 de marzo de 2016 en Casa de Las Américas, en la ciudad de La Habana.
Como se anunció en la Primera Circular, los simposios son la forma privilegiada de participación, en tanto que facilitan la conformación o el desarrollo de grupos de trabajo. Estos simposios son coordinados por dos investigadores/as de dos instituciones distintas, y se espera que generen espacios de discusión articulada que permita mayor profundidad en el abordaje de sus distintas temáticas. Además de los simposios, se han definido también cuatro ejes complementarios con otras temáticas de relevancia.
Las propuestas de ponencia dirigidas a simposios han de ser remitidas, para su evaluación, directamente a los coordinadores de cada simposio, mientras que las propuestas de ponencia dirigidas a alguno de los ejes han de remitirse al correo iaspm.al2016@casa.cult.cu. Sólo se admitirá UNA PROPUESTA DE PONENCIA POR PARTICIPANTE, salvo en el caso de que una segunda propuesta sea en coautoría y ambas vayan dirigidas a simposios. El tiempo de exposición para todos los ponentes será de 20 minutos.
Todas las propuestas de ponencia deberán tener en torno a 500 palabras, incluyendo cuatro referencias bibliográficas sobre el tema y una hipótesis de trabajo clara. Se ruega incluir el nombre completo de los autores, su filiación y su correo electrónico, y utilizar la fuente Times New Roman tamaño 12. Al remitir la propuesta por correo electrónico, precisar en el “Asunto” del mensaje si va a un simposio (Simp1_, Simp2_, Simp3_…) o a un eje (Eje1_, Eje2_, Eje3_...) e incluir las primeras cuatro palabras del título.
El plazo para enviar propuestas de ponencia (tanto a simposios como a ejes temáticos) finaliza el 25 de noviembre. Los resultados se publicarán el 18 de diciembre tanto en la página web de la Asociación (www.iaspmal.net) como en el portal de Casa de Las Américas (www.casadelasamericas.org).
Es importante tener en cuenta que para participar en el congreso es necesario ser socio de la IASPM-AL y estar al día en los pagos. NO HABRÁ PROCEDIMIENTO DE ASOCIACIÓN DURANTE EL CONGRESO, en el cual únicamente podrá realizarse el pago de inscripción con el comité organizador local. Se considera que “estar al día” es tener cubierta la cuota del año 2015. La fecha límite para asociarse y/o abonar el año en curso es el 31 de diciembre. Para realizar los pagos, se ruega escribir a tesoreria.iaspm.al@gmail.com, desde donde recibirán completa información.
A continuación se enlistan los simposios aprobados y los ejes temáticos. Más abajo puede verse la descripción con más detalle de cada uno.
Simposios:
1) Música popular de Brasil y de Hispanoamérica: diálogos, tránsitos, interacciones
Coordinadoras: Cláudia Neiva de Matos (Universidade Federal Fluminense y Universidade Federal do Rio de Janeiro, Brasil) y María Eugenia Domínguez  (Universidade Federal de Santa Catarina, Brasil)
Correos electrónicos: laparole@terra.com.br y eugison@yahoo.com
2) “La música de la diáspora africana en América Latina”
Coordinadoras: Maria Ximena Alvarado Burbano (Universidad del Valle, Colombia) y Denise Barata (Universidade do Estado do Rio de Janeiro, Brasil)
3) “Sobre héroes y tumbas: Historias hegemónicas e historias alternativas de la música popular latinoamericana”
Coordinadores: Marita Fornaro (Departamento de Musicología, Centro de Investigación en Artes Musicales y Escénicas del Litoral Noroeste de la Universidad de la República, Uruguay) y Julio Mendívil (Center for World Music, Universidad de Hildesheim, Alemania)
Correos electrónicos: diazfor@adinet.com.uy y mail@juliomendivil.de
4) “Historia y memoria de la música popular en América Latina”
Coordinadores: Víctor Rondón (Facultad de Artes, Universidad de Chile) y Juliana Pérez G. (Departamento de Historia Social, Universidad de São Paulo, Brasil)



5) Música y Política
Coordinadores: Tânia Garcia (Universidade Estadual Paulista, São Paulo, Brasil) y Adalberto Paranhos (Universidade Federal de Uberlândia, Minas Gerais, y Universidade Estadual de Campinas, São Paulo, Brasil)
Correos electrónicos: garcosta@uol.com.br y akparanhos@uol.com.br
6) “Música e identidades regionales: transformaciones, contraposiciones y desafíos a las identidades nacionales latinoamericanas”
Coordinadores: Ana Romaniuk (Universidad Nacional de Cuyo, IESH-Universidad Nacional de La Pampa) y María Luisa de la Garza (Centro de Estudios Superiores de México y Centroamérica, Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas)
7) “La obra de los compositores/creadores de música popular latinoamericana desde la mirada de la hibridación
Coordinadores: Paula Mesa (Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata, Argentina) y Herom Vargas (Universidade Municipal de São Caetano do Sul, Brasil)
8) “Jazz y otras músicas en América Latina: el jazz en la encrucijada”
Coordinadores: Berenice Corti (Instituto de Investigaciones en Etnomusicología de Buenos Aires y Universidad de Buenos Aires, Argentina); Alvaro Menanteau (Escuela Moderna de Chile); Miguel Vera Cifras (Radio Universidad de Chile y Universidad Alberto Hurtado) y Marilia Giller (Universidade Estadual do Paraná, Brasil)
9) “Género, cuerpo y poscolonialidad en la música popular”
Coordinadoras: Isabel Nogueira (Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brasil), Laila Rosa (Universidade Federal da Bahia, Brasil) y Susan Campos Fonseca (Universidad de Costa Rica)
10) “Hazer y aprender. Las performances de gênero en y con la música”
Coordinadores: Thiago Soares (Universidade Federal de Pernambuco, Brasil), Mercedes Liska (Universidad de Buenos Aires, Argentina), Carolina Spataro (Universidad de Buenos Aires, Argentina) y Malvina Silva (Universidad de Buenos Aires, Argentina)
11) La producción y el arreglo: composiciones estéticas, técnicas y sociales
Coordinadores: Frederico Machado de Barros (Universidade Federal do Rio de Janeiro, Brasil), Jonas Soares Lana (Pontífica Universidade Católica do Rio de Janeiro, Brasil) y Vassili Rivron (Université de Caen-Basse Normandie / Institut de Recherche en Informatique et Automatique, Francia)
12) De la Visión de América a la contemporaneidad: Alejo Carpentier y el estudio de los paisajes (sonoros) mediáticos
Coordinadoras: Marita Fornaro (Universidad de la República, Uruguay); Heloísa Valente (Universidade Paulista, Brasil) y Martha Ulhôa (Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro, Brasil)
Ejes temáticos:
1) Latinoamérica y su relación musical con el mundo
2) La música popular y la pedagogía musical en América Latina
3) Músicas populares subalternas o marginadas
4) Cancioneros, géneros musicales y complejos genéricos en América Latina

Atentamente,
La directiva de la IASPM-AL y los comités organizadores del XII Congreso

Directiva (2014-2016)                                                Comité organizador local
Julio Mendívil (Perú) – presidente                   Jesús Gómez Cairo (Museo Nacional de la Música)
Herom Vargas (Brasil) – vicepresidente                       María Rosa Hernández (Universidad de las Artes ISA)
Ma. Luisa de la Garza (México) – secretaria               Laura Vilar (CIDMUC)
Berenice Corti (Argentina) – tesorera                           Orlando Vistel  (Instituto Cubano de la Música)
Heloísa Valente (Brasil) – editora                    María Elena Vinueza (Casa de las Américas)
                                       
Comité de lectura                                                               Comité académico
Ma. Luisa de la Garza (México)                                        José Luis Fernández (Argentina)
Liliana González Moreno (Cuba)                                       Cláudia Matos (Brasil)
Lauro Meller (Brasil)                                                             Julio Mendívil (Perú)
Simone Luci Pereira (Brasil)                                                Álvaro Neder (Brasil)
Carolina Santamaría (Colombia)                                       Juan Francisco Sanz (Venezuela)
Mónica Vermes (Brasil)                                                      María Elena Vinueza (Cuba)





Los simposios al detalle:
1) Música popular de Brasil y de Hispanoamérica: diálogos, tránsitos, interacciones
Coordinadoras: Cláudia Neiva de Matos (Universidade Federal Fluminense y Universidade Federal do Rio de Janeiro, Brasil) y María Eugenia Domínguez  (Universidade Federal de Santa Catarina, Brasil)
Correos electrónicos: laparole@terra.com.br y eugison@yahoo.com
La mayor parte del territorio comprendido bajo la denominación de América Latina está formada por naciones donde se habla, además de lenguas indígenas, el español –desde el extremo sur del continente hasta México– y el portugués –en Brasil. En la mayoría de esos países la población y la cultura resultan del encuentro de indígenas, africanos y sus descendientes, y los colonizadores españoles y portugueses. Vecinos en la península de origen, los dos últimos tenían muchos puntos de confluencia pero también importantes diferencias y conflictos. La diferencia idiomática, uno de los puntos donde puede observarse una distinción nítida, permanece como diacrítico importante de la separación entre la América hispánica continental y caribeña, con todas sus diversidades internas, del Brasil, también bastante diverso. El hecho de que la IASPM–AL reúna a investigadores de los países de lengua española y portuguesa genera un ámbito ideal para pensar nuestras relaciones tal como se revelan en la música popular. Por ello, este simposio propone reflexionar sobre los diálogos, tránsitos e interacciones surgidos y practicados entre la música hispanoamericana y la música brasileña. El objetivo es reunir trabajos que examinen, desde perspectivas comparativas, lenguajes y configuraciones de las músicas populares de los dos conjuntos geopolíticos; y los modos cómo a través de los procesos de creación, circulación y consumo de la música popular, son elaborados contrastes y continuidades entre Brasil e Hispanoamérica.
En el ámbito de este simposio pueden ser tratados temas como:
  • Recepción, consumo y apropiaciones de la música hispanoamericana en el Brasil y de la música brasileña en Hispanoamérica.
  • Repertorios hispanoamericanos grabados por intérpretes brasileños y viceversa: grabaciones en las lenguas originales y traducciones; versiones cantadas e instrumentales; performances innovadoras, covers, parodias.
  • Estudios académicos, crítica periodística, material mediático (radio, cine, televisión) sobre música popular de los países de lengua española producidos en el Brasil y viceversa.
  • Trabajos conjuntos y colaboraciones entre compositores y/o intérpretes hispanoamericanos y brasileños.
  • Imágenes y representaciones del Brasil en la música hispanoamericana e imágenes de lo latinoamericano en la música brasileña.
  • La canción militante, de temática social y política: relaciones entre la canção de protesto brasileña, la ‘nueva canción’ del Cono Sur y la ‘nueva trova’ cubana.
  • Géneros musicales: difusión, migración, reelaboración, hibridismo, diversificación. Expansión y procesamientos de géneros de referencia como el bolero y la bossa nova.
  • Poéticas hispanoamericanas y brasileñas para géneros configurados en América del Norte (jazz, rock, hip-hop, reggae, etc.), desde perspectiva comparativa.
  • Música y lugar: límites geopolíticos y su transgresión; elaboración de imaginarios nacionales, transnacionales y regionales a través de la música popular.
·         Músicas indígenas y negras en la música popular del Brasil  y de Hispanoamérica.
Referencias bibliográficas:
GONZÁLEZ, Juan Pablo. 2013. Pensar la música desde América Latina. Buenos Aires: Gourmet Musical.
KARTOMI, Margaret J. 1981. The Processes and Results of Musical Culture Contact: A Discussion of Terminology and Concepts. Ethnomusicology, Vol. 25, No. 2 (May, 1981), pp. 227-249. University of Illinois Press / Society for Ethnomusicology.
MENEZES BASTOS, Rafael J. de. 1999. Músicas latino-americanas hoje: musicalidade e novas fronteiras. In TORRES, Rodrigo (ed.). Música popular en América Latina: Actas del II Congresso Latinoamericano IASPM, pp. 17-39. Santiago de Chile: FONDART.
RAMOS, Víctor Hugo. 2012. La identidad latinoamericana: proceso contradictorio de su construcción-deconstrucción-reconfiguración dentro de contextos globales. Universitas Humanísticas, nº 73,  Bogotá, Jan.-Jun. 2012. http://www.scielo.org.co/pdf/unih/n73/n73a02.pdf
GARRAMUÑO, Florencia. 2007. Modernidades primitivas: tango, samba y nación. Buenos Aires: Fondo de Cultura Económica.
2) “A música da diáspora africana na América Latina”
Coordinadoras: Maria Ximena Alvarado Burbano (Universidad del Valle, Colombia) y Denise Barata (Universidade do Estado do Rio de Janeiro, Brasil)
Entre os séculos XVI e XIX, mais de 12,5 milhões de africanos foram escravizados e levados para as Américas e Europa, provocando um dos maiores deslocamentos populacionais da história da humanidade. A diáspora africana proporcionou um intenso trânsito simbólico e o estabelecimento de uma cultura cheia de similaridades nas Américas. “(…) Eles foram para todos os lugares: de Buenos Aires a Colômbia e Peru, ao vasto Caribe, assim como Suriname e as Guianas, e a região costeira dos Estados Unidos, de Nova Orleans a Nova Iorque, até alcançarem, finalmente, a Nova Escócia, no Canadá” (Vansina 2009: 7).
Ao serem retirados da África, sem nenhuma bagagem material, os africanos trouxeram seus corpos e suas vozes, encontrando aqui uma nova forma para construir em suas identidades, que não se constituiu apenas pelas palavras, mas também pela dança, música e cultos.
Restringindo-nos à música, são perceptíveis os estilhaços de um imenso caleidoscópio diaspórico americano pleno de sonoridades que não se deixaram aprisionar. São as vozes e sonoridades moventes da Cumbia, Currulao, Juga, Bunde, Abozao, Patacoré na Colômbia; da Rumba, Son Cubano, Son Montuno em Cuba; do Merengue na República Dominicana; da Bomba e Plena, em Porto Rico; da Zamacueca e Festejo no Peru; do Albazo no Equador; da Chacarera, Chamamé, Milonga e Tango na Argentina; da Cueca no Chile; da Saya na Bolívia; do Candombe e Murga no Uruguai; do Calango, Jongo, Folia de Reis, Coco, Embolada, Tambor de Crioula, Partido Alto e Samba no Brasil; entre tantos outros.
Todos esses ritmos são um claro testemunho do legado da diáspora africana nas sonoridades dos nossos repertórios musicais. Suas evidencias estão, por exemplo, nas características físicas de instrumentos como tambores, bumbos, cununos, marimba de chonta; na diferenciação por sexo de instrumentos de percussão e de sopro como tambores e gaitas masculinas e femininas; na importância do caráter percussivo das músicas; na conexão intensa entre música, dança e corpo; na importância dos tempos fracos sobre os fortes; na presença contínua das síncopas; nas flexibilidades rítmicas; no caráter cíclico dos padrões rítmicos; na forma de compornoato (conhecido como improvisação); na estreita relação música e ancestralidade; assim como entre tantos outros elementos que encontram eco ao largo do território latino-americano.
A partir do exposto, convidamos pesquisadores e pesquisadoras que pretendam estabelecer um diálogo entre os diferentes repertórios musicais da América Latina que evidenciem o aporte cultural trazido do continente africano, e que com o transcorrer do tempo, continuam latentes nas memórias, corpos, celebrações, danças e rituais dos países latino-americanos.
Referencias bibliográficas:
ALVARADO, Maria Ximena. Currulao: Análise etnomusicológica para o gênero representativo do Pacífico sul colombiano. Dissertação. Universidade Federal do Paraná, Curitiba, 2013.
BARATA, Denise. Samba e Partido Alto: Curimbas do Rio de Janeiro. Rio de Janeiro: EDUERJ, 2012.
KUBIK, Gerhard. The Emics of African Musical Rhythm. Cross Rhythms Occasional Papers in African Folklore/Music. Indiana University: Bloomington. v. 2. p. 26-66, 1985.
PINTO, Thiago de Oliveira. As Cores do Som: Estruturas Sonoras e Concepção Estética na Música Afro-Brasileira. In: África. Revista do Centro de Estudos Africanos. USP, São Paulo. 22-23:87-109. 2000.
VANSINA, Jan. Prefácio. In: HEYWOOD, Linda M (org.). Diáspora Negra no Brasil. São Paulo: Contexto, 2009.
3) “Sobre héroes y tumbas: Historias hegemónicas e historias alternativas de la música popular latinoamericana”
Coordinadores: Marita Fornaro (Departamento de Musicología, Centro de Investigación en Artes Musicales y Escénicas del Litoral Noroeste de la Universidad de la República, Uruguay) y Julio Mendívil (Center for World Music, Universidad de Hildesheim, Alemania)
Correos electrónicos: diazfor@adinet.com.uy y mail@juliomendivil.de
Ya sea a través de publicaciones o programas de estudio, de la organización de festivales o subvenciones para conciertos e investigaciones, los estados nacionales latinoamericanos forjaron en el siglo XX cánones musicales mediante cierto tipo de historias de la música que los legitimaban. Mas, como Philip Bohlman ha anotado, todo canon excluye a la vez que incluye (1992: 128), produciendo de este modo aquello que Michael Iyanaga recientemente ha tildado de narrativas silenciadas (Iyanaga 2015: 185). Ya en los años 70 Robert M. Stevenson ponía al descubierto que, mientras que las historias de la música escritas en Estados Unidos tendían a excluir el período prehispánico en sus narrativas, este ocupaba siempre un espacio —aunque modesto— en aquellas escritas más al sur del continente (Stevenson 1970: 2-59), mostrando que, efectivamente, cada visión histórica conlleva una política de presencias y ausencias.
Retomando dicho espíritu analítico, queremos reflexionar en este simposio sobre los criterios que han marcado el derrotero seguido por los historiadores de la música en América Latina. Nos interesa interpelar a través de estudios de casos:
     ¿Qué historias de la música o de géneros musicales se han escrito desde una posición hegemónica en América Latina y qué tipo de discursos han impuesto dichas historias?
     ¿Cómo se insertan este tipo de historias en la construcción de la nación moderna latinoamericana?
     ¿Qué tipo de fuentes se han privilegiado en la construcción de estas visiones hegemónicas?
Paul Veyne ha sugerido que la historia no explica y que sus “explicaciones” no remiten a un principio que haría el acontecimiento inteligible, sino que expresan el sentido que el historiador da a un relato (Veyne 1971: 70). Vista desde esta perspectiva, la historia no es sino un discurso condicionado por las preferencias epistemológicas e ideológicas de quien la escribe. Así, poner al descubierto dichas implicancias nos ayuda a ver críticamente sus políticas de inclusión y exclusión. En ese sentido, nos interesa discutir también aquellas narrativas que los discursos oficiales no han  logrado condenar al silencio plenamente, preguntándonos:
     ¿Qué historias han sido acalladas a través de la canonización de otras historias de la música latinoamericana?
     ¿Cómo son esas narrativas alternativas sobre música, culturas o géneros musicales en América Latina?
     ¿Qué filosofía de la historia llevan implícitas?
     ¿De qué tipo de registro se han valido para contrarrestar el silenciamiento impuesto desde arriba?
El simposio aceptará estudios de caso relacionados con historias de la música latinoamericana, ya sean estas de carácter hegemónico o alternativo. Asimismo, la revisión crítica de textos históricos, analizándolos en función a las interrogantes propuestas líneas arriba. Los resúmenes que no correspondan con los requisitos formales o de contenido serán rechazados. La extensión del trabajo final no deberá exceder las 8 páginas a doble (o el equivalente a 20 minutos de lectura), y deberá ser enviado a los coordinadores antes de la realización del simposio.
Referencias bibliográficas:
BOHLMAN, Philip. 1992. Ethnomusicology’s Challenge to the Canon; the Canon’s Challange to Ethnomusicology. In: Katherine Bergeron and Philip Bohlman (ed.), Discipling Music. Musicology and Its Canon. Chicago & Londres: The University of Chicago Press, p. 116-136.
IYANAGA, Michael. 2015. On Flogging the Dead Horse, Again: Historicity, Genealogy, and Objectivity in Richard Waterman‘s Approach to Music. In: Ethnomusicology. Vol. 59 (2), p. 173-201.
VEYNE, Paul. 1971. Cómo se escribe la historia. Madrid: Alianza Editorial.
STEVENSON, Robert M. 1970. Philosophies of American Music History. Washington:  Library of Congress & The Louis Charles Elson Memorial Foundation.

4) “Historia y memoria de la música popular en América Latina”
Coordinadores: Víctor Rondón (Facultad de Artes, Universidad de Chile) y Juliana Pérez G. (Departamento de Historia Social, Universidad de São Paulo, Brasil)
En su momento, fueron poco discutidas afirmaciones como aquella de E. J. Hobsbawm en 1959 cuando señalaba que “en todas partes, la segunda mitad del siglo XIX fue un período revolucionario en las artes populares, aunque esto haya pasado desapercibido para ciertos observadores ortodoxos snobs” (Hobsbawm 1990: 159). Tampoco fueron debatidas las apreciaciones de W. D. Allen (1962) quien al reseñar la primera edición de la historia de la música occidental de D. J. Grout (1960) lamentaba que su autor sólo se hubiera preocupado por la música escrita y hubiera ignorado “aquellos procesos de la historia de la música, como la improvisación en las músicas folclóricas y populares, sin las cuales nuestro arte musical jamás habría podido desarrollarse” (1962: vii).
Todo indica que la entrada de la música popular como objeto de estudio académico es reciente, particularmente en la historia de la música realizada desde la Musicología y la misma disciplina histórica. No obstante, sabemos que los textos académicos fueron antecedidos por relatos y memorias colectivas que le otorgaron un sustrato histórico a algunas prácticas de la música popular. Esto significa que antes de que fuera interés de musicólogos e historiadores de formación, ya venían circulando relatos de trasfondo histórico, anclados en otros diversos saberes.
Este simposio propone trabajar la historiografía de la música popular básicamente desde los complejos caminos de la Historia y la Memoria. A pesar de que tradicionalmente fueron entendidas como de naturalezas diferentes, teóricos como P. Ricoeur y D. Lowenthal han reflexionado sobre los complejos vasos comunicantes que hay entre algunas concepciones de Historia y ciertas conceptualizaciones de Memoria. Este simposio abre un espacio para discutir la forma como se ha construido la historia de la música popular del continente latinoamericano, a la luz de este binomio.
Interesan reflexiones actuales sobre trabajos realizados dentro y fuera de la academia, cuya preocupación fue desvelar el pasado musical de alguna práctica popular. Pueden ser analizados estudios adscritos al folclor, de tipo periodístico y crónicas de melómanos, discursos musicales, o de historiadores, musicólogos y etnomusicólogos, entre otros. Básicamente proponemos analizar problemas comunes a toda “operación historiográfica”, en términos de M. de Certeau. Por ejemplo, elección de fuentes primarias; conformación de acervos documentales; centralidad del material musical en sí; definición de categorías analíticas; explicación de cambios y continuidades históricas; preferencias cronológicas o aspectos relacionados con sus autores y su época como difusión y recepción de sus obras; contextos sociales y culturales; debates intelectuales de su momento, etc.
En resumen, invitamos a pensar, en ponencias monográficas o panorámicas, sobre la variada producción historiográfica de la música popular a partir de la problemática Historia y Memoria que, a nuestro ver, ayuda a la comprensión de aspectos epistemológicos comunes a toda “operación historiográfica”.
Referencias bibliográficas:
ALLEN, Warren Dwight. Philosophies of Music History. A Study of General Histories of Music 1600-1960.  New York, Dover, 1962. 
CERTEAU, Michel de. “La operación histórica”, en Le Goff, Jacques y Pierre Nora (eds.),  Hacer la historia, vol. 2. Barcelona: Laia, 1985.
HOBSBAWM, Eric J.  Historia Social do Jazz, Paz e Terra, Rio de Janeiro, 1990 [1959].
LOWENTHAL, David. El pasado es un país extraño. Madrid: Akal, 1998 [1985].
RICOEUR, Paul. A memória, a história, o esquecimento. Campinas: Unicamp, 2010.
5) Música e Política
Coordinadores: Tânia Garcia (Universidade Estadual Paulista, São Paulo, Brasil) y Adalberto Paranhos (Universidade Federal de Uberlândia, Minas Gerais, y Universidade Estadual de Campinas, São Paulo, Brasil)
Correos electrónicos: garcosta@uol.com.br y akparanhos@uol.com.br
A discussão sobre o significado e as funções políticas da música popular sempre foi objeto de controvérsias, se levarmos em conta a pluralidade de papeis que ela desempenha historicamente. Veiculada pelos meios de comunicação de massa, presente intensamente no nosso cotidiano, ao exprimir visões de mundo as mais diversas e mobilizar diferentes tipos de escuta, a canção se converteu numa fonte privilegiada para o estudo político das sociedades modernas.
Nem sempre, contudo, a relação entre música e política se dá a perceber de forma clara. A primeira dificuldade consiste em assinalar que, muitas vezes, os vínculos que prendem uma a outra não são explícitos como, por exemplo, numa canção de protesto ou de celebração de regimes institucionalmente constituídos. Os elos que as aproximam são, com frequência, indiretos, como se pode constatar em casos em que o próprio registro instrumental de uma composição é capaz de suscitar reações por se valer de códigos ou de instrumentos musicais que quebram uma dada ordem sonora estabelecida.
Tradicionalmente, como evidenciam os autores clássicos das Ciências Sociais cujas obras datam do século XIX e princípios do século XX, o conceito de política foi atado aos aspectos institucionais, tomando o Estado como seu ponto de referência fundamental. Sem desconhecer tal realidade, no simpósio Música e Política serão aceitos trabalhos que associem o universo da música a essa visão stricto sensu da política.
Mas ele também se abre a um campo de largo espectro para a acolhida de propostas que cubram um repertório variado de temas que envolvam os domínios musical e político no seu sentido mais amplo. Do ponto de vista histórico, impõe-se reconhecer que, sob o influxo de novos acontecimentos e reelaborações teóricas – como as agitações que sacudiram distintas partes do planeta especialmente nos anos 60 e contribuições intelectuais de autores como Michel Foucault –, a política transbordou a bitola estreita em que foi encerrada por muito tempo. Assim, sem que fechemos os olhos para a macropolítica, a micropolítica cavou seu lugar e, a partir daí, passou-se a identificar a sua presença no cotidiano, onde quer que se manifestem relações de poder. Concebida nessa chave, a dimensão política lato sensu ganhou força, processando-se o deslocamento do seu ponto fixo e reconhecendo-se a politização do social. Daí que esta proposta de simpósio – sintonizada com as tendências que se afirmaram sobre tudo na segunda metade do século XX – não ignore os novos ventos trazidos por esse giro teórico.
É preciso, porém, considerar que o sentido político de uma obra musical não se restringe às intenções do artista que a produz. Obviamente, as opções estéticas e políticas expressas num artefato musical interferem na conservação ou transformação de certos valores e comportamentos que influenciam a maneira como nos situamos perante o mundo e como o representamos. Entretanto, uma vez oferecida ao público, a obra de arte está sujeita às mais diversificadas formas de apropriação, que, no limite, impulsionam uma dança dos sentidos dessa ou daquela canção.
Afinal, como afirma Stuart Hall, “o significado de um símbolo cultural é atribuído em parte pelo campo social ao qual está incorporado, pelas práticas às quais se articula e é chamado a ressoar” (Hall 2003: 258). Nesse sentido, o que importa, em última análise, não são os objetos culturais intrínseca ou historicamente determinados, mas o estado do jogo das relações culturais em meio a um campo de disputas e de poder.
Referencias bibliográficas:
FOUCAULT, Michel. Microfísica do poder. 2. ed. Rio de Janeiro: Graal, 1979.
HALL, Stuart. Da diáspora: identidades e mediações culturais. Belo Horizonte: Editora da UFMG, 2003.
GARCIA, Tânia e TOMAS, Lia (org.). Música e política: um olhar transdisciplinar. São Paulo: Alameda, 2013.
PARANHOS, Adalberto. Os desafinados: sambas e bambas no “Estado Novo”. São Paulo: Intermeios/CNPq/Fapemig, 2015.
6) “Música e identidades regionales: transformaciones, contraposiciones y desafíos a las identidades nacionales latinoamericanas”
Coordinadores: Ana Romaniuk (Universidad Nacional de Cuyo, IESH-Universidad Nacional de La Pampa) y María Luisa de la Garza (Centro de Estudios Superiores de México y Centroamérica, Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas)
La propuesta de este simposio está orientada a establecer relaciones, en el ámbito de lo musical, entre construcciones identitarias regionales (sub y supra nacionales) y su vinculación con la construcción de las ideas de nación en los diferentes países de Latinoamérica. Partimos del supuesto de que muchos Estados han legitimado su organización política y social utilizando estrategias de homogeneización que, en el imaginario cultural, construyen la representación oficial de la nación. Dentro de este marco, en el que suponemos diversos grados de tensión entre representaciones hegemónicas y periféricas, proponemos pensar lo que Rita Segato, en la Introducción a La nación y sus otros: raza, etnicidad y diversidad religiosa en tiempos de políticas de la identidad llama la “formación nacional de la diversidad” en cada uno de nuestros países y, específicamente, las formas de resistencia –tanto de viejo como de nuevo cuño– de las “alteridades históricas”, es decir, de aquellos grupos sociales que se mantuvieron “otros” a pesar de las estrategias de unificación (Segato, 2007).
Invitamos a analizar los elementos musicales y extramusicales que operan como diferenciadores en la construcción, al interior de un país, de identidades no centrales o en la creación de músicas consideradas distintivas, las cuales, a su vez, pueden buscar participar también del espacio hegemónico central como una forma de certificar su legitimidad. Asimismo, invitamos a analizar los aspectos que los colectivos diaspóricos y la transnacionalidad modifican en los géneros históricamente construidos como representativos de cada nación.
Llamamos a abordar desde las prácticas musicales concretas hasta las construcciones que las musicologías han elaborado, pero nos gustaría particularmente propiciar un diálogo sobre un posible corpus teórico que ayude a pensar estas dinámicas de movilidad y arraigo.
¿Qué formas de comunidad se erigen frente a las identidades centrales? ¿Se trata de identidades regionales, étnicas, religiosas, lingüísticas, raciales o de otro tipo? ¿Qué estrategias de legitimación han puesto en marcha, y qué papel desempeña en ellas la música? ¿Qué instancias oficiales, civiles o empresariales se ocupan de preservar, recuperar, promover o recrear esas identidades que podríamos llamar “sediciosas”, y a qué tipo de argumentos musicales y extramusicales apelan? ¿Cómo se conjuga actualmente la producción de determinados materiales musicales con la producción de símbolos y de deseos? ¿Qué reconfiguraciones ha habido en el imaginario de lo nacional? ¿Han influido en él los exilios políticos y económicos? ¿Lo han hecho otros movimientos políticos internos?
Estas son algunas de las cuestiones que proponemos para debatir en el simposio, donde esperamos continuar el diálogo comenzado en el X Congreso sobre el papel que ha jugado, y juega, lo musical en procesos de construcción de identidades sociales que se oponen o desplazan a las identidades nacionales estereotípicas.
Referencias bibliográficas:
Bhabha, Homi; “Narrando la nación”, en Álvaro Fernández Bravo (comp.), La invención de la nación. Lecturas de la identidad de Herder a Homi Bhabha, Manantial, Argentina, 2000, pp. 211-219.
Briones, Claudia (comp.); Cartografías Argentinas. Políticas indigenistas y formaciones provinciales de alteridad, Antropofagia, Buenos Aires, 2008.
Corti, Berenice; Jazz argentino. Música “negra” del país “blanco”, Gourmet Musical, Buenos Aires, 2014.
Pardue, Derek; “Los altos y bajos de la negritude entre los hip-hoppers brasileños: historia cultural e interpretación en la nación ‘más negra’ de América Latina”, en Mabel Moraña (ed.), Cultura y cambio social en América Latina, Iberoamericana, 2008, pp. 367-401.
Segato, Rita; “Introducción. Políticas de identidad, diferencia y formaciones nacionales de alteridad”, en La Nación y sus Otros, Prometeo Libros, Argentina, 2007, pp. 15-36.
7) “La obra de los compositores/creadores de música popular latinoamericana desde la mirada de la hibridación
Coordinadores: Paula Mesa (Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata, Argentina) y Herom Vargas (Universidade Municipal de São Caetano do Sul, Brasil)
En este simposio tenemos como objetivo estudiar las obras compuestas por músicos latinoamericanos que planteen puentes o cruces con otras músicas (música erudita o académica, música étnica, música experimental, etc.). Nos interesa observar y analizar las características estilísticas y conceptuales de las obras de los intérpretes y compositores de América Latina, y las relaciones con el contexto cultural marcado por la hibridación. Nuestro objetivo a largo plazo es el de comenzar a construir un panorama latinoamericano que nos permita conocer diferentes compositores/creadores y su producción musical dentro del marco convencionalmente denominado como "fusión". No pretendemos generar espacios de intercambio que tengan una mirada exclusivamente biográfica, sino que intentamos construir espacios analíticos en los que la biografía y el contexto cultural ayuden a comprender la mirada del artista.
                Rita Segato plantea el hecho de que lo local y lo global no deben ser entendidos como espacios en tensión sino en interacción. Dice, específicamente, que se trata "de la intersección de dos estructuras: una de circulación global de bienes y grupos humanos a través de los canales de un circuito establecido de poder y prestigio definido por el diferencial de modernidad de las naciones, y la otra marcada por la configuración local de alteridad, que opera como matriz receptora de esos bienes y grupos que ingresan al horizonte de la Nación" (Segato 2007: 186). A partir de esa idea generadora, ¿podemos analizar la producción de los compositores/creadores latinoamericanos desde el punto de vista de la interrelación entre el espacio local y el espacio global? ¿Cómo esos cruces culturales influyen en el proceso creativo de determinados compositores de música popular de América Latina?
Néstor García Canclini (2002), a su vez, se pregunta: ¿Qué se puede entender por latinoamericanidad? A lo cual se responde aludiendo a la existencia de un espacio cultural muy heterogéneo. Según Canclini: “La latinoamericanidad fue una construcción híbrida, en la que confluyeron contribuciones de los países mediterráneos de Europa, lo indígena latinoamericano y las migraciones africanas”. Al parecer, este estado de hibridación, fusión y/o cruzamientos define a las diferentes culturas que tradicionalmente son consideradas como conformadoras de nuestra latinoamericanidad, con mayores o menores porcentajes de influencia en nuestros países.
En este simposio interesará particularmente abordar:
  • Las formas de hibridación en la música popular latinoamericana.
  • Los alcances y límites de los términos fusión, hibridación, eclecticismo y sincretismo dentro del contexto de la música popular latinoamericana.
  • Las características del lenguaje musical y de la canción (letra, música y performance) que definen la obra compositiva, y la relación entre la obra y la producción musical.
  • El compositor enmarcado en su contexto biográfico, cultural y socio-político.

Referencias bibliográficas:
BALDERRABANO, Sergio; GALLO, Alejandro; MESA, Paula. (2001). Un enfoque Sistémico del Componente Armónico Tonal. Trabajo de investigación desarrollado en el marco del Sistema de Incentivos de la UNLP.
GARCÍA CANCLINI, Néstor. 2002. Latinoamericanos buscando lugar en nuestro siglo. Buenos Aires: Paidós SAICF.
MENANTEAU, Álvaro. 2006. “Hacia una redefinición del término ‘fusión’”, fragmento de la ponencia presentada en el II Congreso de la Sociedad Chilena de Musicología. Disponible en https://jazzycultura.wordpress.com/2006/08/01/hacia-una-redefinicion-del-termino-fusion-por-alvaro-menanteau/
SEGATO, Rita. 2007. La nación y sus otros: raza, etnicidad y diversidad religiosa en tiempos de políticas de la identidad (Buenos Aires: Prometeo Libros).
VARGAS, Herom. 2007. Hibridismos musicais de Chico Science & Nação Zumbi. Cotia (SP): Ateliê Editorial.
8) “Jazz y otras músicas en América Latina: el jazz en la encrucijada”
Coordinadores: Berenice Corti (Instituto de Investigaciones en Etnomusicología de Buenos Aires y Universidad de Buenos Aires, Argentina); Alvaro Menanteau (Escuela Moderna de Chile); Miguel Vera Cifras (Radio Universidad de Chile y Universidad Alberto Hurtado) y Marilia Giller (Universidade Estadual do Paraná, Brasil)
En nuestros países, la discografía jazzística de las últimas décadas y la bibliografía reciente que ha buscado acceder al fenómeno de los cruces del jazz con diversas músicas (“fusión criolla” en Menanteau 2003; “fusiones, hibridaciones y mezclas” en Corti 2009; “hibridismo” en Piedade 2011; “síntesis” en Delannoy 2012) nos convocan, en oportunidad de la tercera edición del Simposio sobre el Jazz en América Latina, a reflexionar sobre cómo se producen estos fenómenos de modo particular en la región. También, interesa de qué forma estas discusiones se enlazan con otras provenientes del campo de la etnomusicología y las ciencias sociales (“transculturación” en Ortiz 1987; “fertilización/exposición” en Shepherd 1982; “hibridez” en García Canclini 1990).
De esta forma, se invita a la presentación de propuestas donde confluyan lo analítico con lo performático musical, cuyos ejes principales giren en torno a:
  • Discusiones teóricas sobre los cruces del jazz con otras músicas en la región.
  • Estudios de caso de prácticas musicales, construcción de géneros locales y de delimitación estilística.
  • Descripción y análisis de escenas musicales que alberguen estos cruces de manera particular. Función social, usos y consumos del jazz y del jazz fusión.
  • Cuestiones de política estética devenidas de la práctica musical. Políticas de representación y de identidad.
  • La improvisación como elemento constituyente de procesos musicales en el Jazz y sus posibles devenires.
Serán contempladas otras propuestas que no se enmarquen en estos ejes.
Referencias bibliográficas:
Corti, Berenice. 2009. “Fusiones, hibridaciones y mezclas en la música popular: Raza, Nación y Jazz Argentino”. Actas de la VIII Reunión de Antropología del Mercosur (RAM). Buenos Aires: UnSam/Idaes.
Delannoy, Luc. 2012. Convergencias. Encuentros y desencuentros en el jazz latino. México: FCE.
García Canclini, Néstor. 1990. Culturas híbridas: estrategias para entrar y salir de lamodernidad. México: Grijalbo.
Menanteau, Alvaro. 2003. “Hacia una redefinición del término ‘fusión’”, fragmento de la ponencia presentada en el II Congreso de la Sociedad Chilena de Musicología. Santiago: Purojazz. Disponible en https://jazzycultura.wordpress.com/2006/08/01/hacia-una-redefinicion-del-termino-fusion-por-alvaro-menanteau/
Ortiz, Fernando (1987). Contrapunteo cubano del tabaco y el azúcar. Caracas: María H. de Salcedo / Biblioteca Ayacucho.
Piedade, Acácio Tadeu de C., (2011) “Perseguindo fios da meada: pensamentos sobre hibridismo”, Revista Per Musi, n.23. Belo Horizonte: UFMG, pp. 103-112. Disponible en http://www.musica.ufmg.br/permusi/port/numeros/23/num23_cap_11.pdf
Shepherd, John (1982). “A theoretical model for the sociomusicological analysis of popular musics”. Popular Music, 2, pp. 145-177.
9) “Gênero, corpo e pós-colonialidade na música popular”
Coordinadoras: Isabel Nogueira (Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brasil), Laila Rosa (Universidade Federal da Bahia, Brasil) y Susan Campos Fonseca (Universidad de Costa Rica)
Este simpósio temático propõe um espaço de articulação entre estudos, experiências e produções em música popular sob as lentes dos estudos sobre gênero, feministas e queer pós-coloniais. A proposta surge de um desejo conjunto de compositoras e cantautoras feministas latino-americanas, também professoras e estudiosas do campo da música popular, etnomusicologia, educação musical, performance e musicologia. Estamos interessadas em trocar experiências que contribuam para fomentar e compreender enfrentamentos, articulações, experiências, processos criativos e subjetividades em música popular, bem como, fortalecer espaços para os estudos sobre música popular a partir das lentes das epistemologias feministas e queer pós-coloniais.
Nos pautamos por referências sobre o conceito de gênero como importante metáfora em música que é também corporificada – gendrificada e racializada (Cusick, 1994; Hisama, 2000; Rose, 2008). No Brasil, temos no livro Estudos de Gênero, Corpo e Música (Campos Fonseca e Nogueira, 2013), uma importante referência que rompe com o silenciamento sobre o tema no país, assim como representou anos atrás o livro Queering the Popular Pitch (Whiteley e Rycenga, 2006), que igualmente nos inspira. Nos apoiamos ainda na perspectiva poética, fronteiriça, lésbica e ao mesmo tempo “chicana” de Gloria Anzaldúa (2000). Seguimos também pelos passos de Ochy Curiel, de construção de um feminismo descolonizado (Curiel, 2010) para pensarmos sobre gênero, corpo, pós-colonialidade e música popular na América Latina, bem como, nas nossas próprias atuações no campo da música popular neste contexto. 
A temática das relações étnicorraciais e da branquitude tanto nas produções artísticas, como na produção de conhecimento sobre música popular é também um tema que prezamos para o nosso debate e que incentivamos para este simpósio (Sovik, 2009; Ware, 2004). Na perspectiva interseccional que articula gênero, identidade etnicorracial, sexualidades, geração, classe social, dentre outros marcadores sociais da diferença, compreendemos que estas são questões que estão presentes no campo da música popular e dos seus diversos trânsitos e discursos (Ochoa, 2002). Neste sentido, acolhemos desde relatos sobre processos criativos a abordagens de cunho mais teórico, compartilhamentos de experiências sobre performances, estudos sobre cenas, obras e, sobretudo, da busca por uma reescrita da história da música popular que inclua o protagonismo das mulheres enquanto artistas, compositoras, produtoras, gestoras e articuladoras culturais.
Referencias bibliográficas:
Anzaldúa, Gloria. 2000. “Falando em línguas: uma carta para as mulheres escritoras do terceiro mundo.” In: Revista Estudos Feminista, 8 (1o  semestre). Florianópolis: UFSC, pp. 229-236.
Curiel, Ochy. 2010. “Hacia La construcción de un feminismo descolonizado.” In: Miñoso, Yuderkys Espinosa (org.). Aproximaciones críticas a las prácticas teórico-políticas del feminismo latinoamericano. Vol I. Buenos Aires: En La Frontera, pp. 69-78.
Cusick, Suzanne. 1994. “Feminist Theory, Music Theory, and the Mind/Body Problem.” In: Perspectives of New Music.  Vol. 32, No. 1 (Winter). pp. 8-27. Disponível em: www.jstor.org/stable/833149.
Hisama, Ellie M. “Feminist Music Theory into the Millennium: A Personal History Author(s)”: Source: Signs, Vol. 25, No. 4, Feminisms at a Millennium (Summer, 2000), pp. 1287-1291. Disponível em http://www.jstor.org/stable/3175529.
Ochoa, Ana María. 2002.  “El desplazamiento de los discursos de autenticidad: una mirada desde la música”. In: Trans. Revista Transcultural de Música/Transcultural Music Review
#6 (2002).
Nogueira, Isabel Porto; Fonseca, Susan Campos (orgs.). 2013. Estudos de gênero, corpo e música: abordagens metodológicas. Goiânia / Porto Alegre: ANPPOM.
Rose, Tricia. 2008. The Hip Hop Wars: What We Talk When We Talk About Hip Hop – And Why It Matters. New York: Basic Books.
Sovik, Liv. 2009. Aqui ninguém é branco. Rio de Janeiro: Aeroplano.
Ware, Von (Org.). 2004. Branquidade: Identidade branca e multiculturalismo. Rio de Janeiro: Garamond.
Whiteley, Sheila; Rycenga, Jennifer. 2006. Queering the Popular Pitch. New York: Routledge.
10) “Hazer y aprender. Las performances de gênero en y con la música”
Coordinadores: Thiago Soares (Universidade Federal de Pernambuco, Brasil), Mercedes Liska (Universidad de Buenos Aires, Argentina), Carolina Spataro (Universidad de Buenos Aires, Argentina) y Malvina Silva (Universidad de Buenos Aires, Argentina)
La cuestión del cuerpo siempre ha estado presente en los estudios de música, sobre todo a través del concepto de performance: la presentificación en la ejecución musical, el "grano de la voz," la materialidad de la escena o lo bio-escénico, la biografía que se construye en el acto performático musical. La performance también atraviesa a aquellos que circulan por los espacios musicales: frecuentadores de fiestas, de conciertos, de circuitos culturales que enseñan modos de habitar el mundo a partir del agenciamiento musical. Por lo tanto, tenemos el concepto de performance y la materialidad de los cuerpos en la música como los aspectos a ser investigados en los trabajos de este simposio a partir de la clave de los estudios de género y sexualidad.
Si pensamos que los estudios de género presuponen la problematización de las relaciones entre sexo, identidad y política (Butler, 2015), la idea de este simposio parte del intento de generar articulaciones entre la música popular y estas instancias. Por lo tanto, indagamos cómo masculinidades,  feminidades, "normalidades", "rarezas" (queers) son engendradas a través de los fenómenos musicales. Si pensamos que la música es un importante dispositivo de las relaciones sociales y culturales, se puede debatir sobre las lógicas de cierta pedagogía performática: la música nos enseña formas de actuar, de hacer frente a las normas, de subvertir normas construyendo espacios  singulares. ¿A través de sus cuerpos los artistas enseñan las problemáticas de género? ¿De qué manera las sexualidades son debatidas en los espacios narrativos de las canciones y de las poéticas musicales?
¿Por qué pensar la música a través de la premisa de los estudios de género es tan importante para reflexionar sobre políticas de raza, de clases sociales, de gusto? Discutir de género bajo la premisa de las tramas sociales significa incluir en el debate que "la sociabilidad que pertenece a la vida corporal, a la vida sexual y al acto de convertirse en un género (becoming gendered) (que es, en cierto sentido, ser un género "para los otros") establece un campo éticamente confuso que parece situarnos en una esfera en la que como cuerpos siempre somos algo más, y algo más que nosotros mismos" (Butler, 2004, p. 19). Al mismo tiempo, si el género constituye una parte del  intercambio social, ¿qué rol cumple la música en este proceso?
Referencias bibliográficas:
BLÁZQUEZ, Gustavo. 2008. “Nosotros, Vosotros y Ellos: las poéticas de las masculinidades heterosexuales entre jóvenes cordobeses”. Portal de Recursos Educativos Abiertos (REA), en http://www.temoa.info/es/node/480875
BUTLER, Judith. Problemas de Gênero: Feminismo e Subversão da Identidade. 4.ed. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 2015.
BUTLER, Judith. Undoing Gender. New York: Routledge, 2004.
BUTLER, Judith. “Actos performativos y constitución del género: un ensayo sobre fenomenología y teoría feminista”. En: Sue-Ellen Case (ed.). Performing Feminisms: Feminist Critical Theory and Theatre. Johns Hopkins University Press, 1990, pp. 270-282. 
FOUCAULT, Michel. História da Sexualidade I. 12.ed. São Paulo: Martins Fontes, 2013.
FRITH, Simon. Performing Rites: On the Value of Popular Music. London: Harvard University Press, 1996.
LOPEZ CANO, Rubén. 2008. Performatividad y narratividad musical en la construcción social de género. Una aplicación al Tango Queer, Timba, Reguetón y Sonideros. En: Gómez Muñiz, Rubén y Rubén López Cano (eds.), Músicas, ciudades redes: creación musical e interacción social. Salamanca, SIbE-Fundación Caja Duero.
11) La producción y el arreglo: composiciones estéticas, técnicas y sociales
Coordinadores: Frederico Machado de Barros (Universidade Federal do Rio de Janeiro, Brasil), Jonas Soares Lana (Pontificia Universidad Católica do Rio de Janeiro, Brasil) y Vassili Rivron (Université de Caen-Basse Normandie / Institut de Recherche en Informatique et Automatique, Francia)
Este simposio se propone hacer converger diferentes perspectivas sobre el trabajo de los arregladores, productores y otros profesionales que intervienen en la cadena de realización  de obras en el universo de las músicas populares en América Latina durante los siglos XX y XXI. Ingeniero de sonido, arreglador, coautor, productor fonográfico y, previamente, radiofónico, son algunas de las funciones desempeñadas por estos profesionales que, debido a su oficio, se encuentran en la encrucijada de múltiples mundos musicales y culturales. Los estilos de arreglos y la sonoridad de las grabaciones, las estrategias estéticas y profesionales conexas, la articulación de las lógicas artísticas y comerciales, entre otras cosas, permiten lanzar una mirada más de cerca a las trayectorias y los perfiles socioculturales de estos actores, así como los procesos de producción artística y de significación de las obras.
Cada proyecto creativo se asocia con configuraciones donde las colaboraciones, relaciones de poder, proyecciones y expectativas diferentes entran en juego. Los procesos creativos de los arregladores y productores se ven afectados por las agencias recíprocas y múltiples interacciones con músicos, empresarios, público, instrumentos, técnicas y técnicos de grabación, con espacios, identidades de raza y género, equipos, repertorios, géneros y estilos musicales, formando largas e intrincadas redes de prácticas, formas, referencias, significados, objetos, sensibilidades, tradiciones y otros elementos movilizados en los procesos de construcción sociomusical. Sus obras son, en este sentido, una forma de mediación cultural, un ejercicio de negociación e intercambio entre diferentes mundos. Por otra parte, estas actividades, que incluyen desde la producción de arreglos orquestales y head arrangements a remixes de música electrónica y shows de música pop, movilizan una amplia gama de aspectos y conocimientos técnico-musicales: instrumentación y teoría de la música, el campo de los métodos de grabación digital y analógica, conceptos de marketing y la visión de mercado y el trabajo en equipo, ideas y propuestas que guían la selecciones estéticas, entre otros.
El simposio cubre, por lo tanto, las diferentes maneras en que los arregladores y productores se movilizan y emplean una profusión de recursos, dispositivos y conceptos tales como "música", "alta-fidelidad", "low-tech", "paisaje sonoro" y "arte" para generar, capturar, alterar/tratar y fijarlos sonidos que constituyen, en última instancia, la materia prima de la creación musical. Sus trabajos se encuentran entre el arte y la artesanía; la acústica, la eléctrica y la electrónica; lo nacional y extranjero; entre lo puro y lo híbrido; la "música ligera" o "para bailar" y el "gran arte".
Referencias bibliográficas:
Becker, Howard. Art Worlds. Berkeley, CA: University of California Press, 1982.
Moorefield, Virgil. The Producer as Composer: From the Illusion of Reality to the Reality of Illusion, 2nd ed. Cambridge, MA and London: MIT, 2010.
Niles, Richard. The Invisible Artist: Arrangers in Popular Music (1950-2000). Bloomington: Indiana University Press, 2014.
12) De la Visión de América a la contemporaneidad: Alejo Carpentier y el estudio de los paisajes (sonoros) mediáticos
Coordinadoras: Marita Fornaro (Universidad de la República, Uruguay); Heloísa Valente (Universidade Paulista, Brasil) y Martha Ulhôa (Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro, Brasil)
Alejo Carpentier escribió los veintinueve ensayos que componen Visión de América entre 1947 y 1957. En ellos describe sus viajes por América Latina, destacando aspectos referidos a las diversas culturas que configuraban la identidad del continente. Podemos decir que el período que transcurre entre la publicación del libro y la actualidad representa mucho más que un intervalo de 60 años: más allá de nuevas costumbres y formas de sensibilidad, varios de los países citados por Carpentier sufrieron importantes transformaciones en el escenario político, lo que tuvo como consecuencia inmediata el aislamiento o el enmudecimiento.
En lo que se refiere a la cultura mediática, es de resaltar que, en la época sobre la cual Carpentier escribe sus relatos, en esos países la radio y el cine constituían los medios dominantes. Hoy, las fronteras geofísicas están circunscriptas al alcance de las tecnologías y sus redes. Así, más allá de la expansión de las fronteras del territorio recorrido y objeto de relato por parte de Carpentier –tomado aquí como inspiración– este simposio recibirá contribuciones que traten tanto de las representaciones de la identidad latinoamericana como de sus paisajes sonoros, sus repertorios y respectivos modos de transmisión, como forma de constituir memoria, no sólo musical, sino cultural.
Referencias bibliográficas:
Carpentier, Alejo. Visão da América. São Paulo: Martins Fontes, 2006.
Schafer, R. Murray: A afinação do mundo. São Paulo: Editora da Unesp, 2001.
Zumthor, Paul: Performance, recepção, leitura. São Paulo: Cosac & Naify, 2014